Jaka jest różnica między obrazem, studium, szkicem i szkicem? Co jest lepsze – płótno czy karton? Jaka jest różnica między obrazem a szkicem? Jeśli obrazy przedstawiają ludzi z dużymi tyłkami, to bądź pewien – to Rubbens.

Wow, świetne malowanie! - pochwalił pracę i od razu obraził artystę błędną terminologią

Pewnie wiecie, przyjaciele, że dobry, ale wrażliwy artysta może się obrazić, jeśli mu to powiecie maluje swój własny obraz. To jakby powiedzieć, że statki pływają po morzu... ale wszyscy wiemy, że statki pływają po morzu!

Jednak osoba daleka od sztuk pięknych często nie jest w stanie dokładnie określić, czym jest malarstwo, czym jest rysunek i czym się one od siebie różnią. Dlatego „rysowanie” i „pisanie” to dla niego jedno i to samo. Ale spróbuj powiedzieć mistrzowi, że ma dobry „rysunek” na płótnie!

już nie łatwy sposób zranić wrażliwą naturę twórczą, choć prosty widz nie od razu zrozumie, co jest tu złego i obraźliwego.

Malarstwo i rysunek to pojęcia bliskie, a nawet powiązane, jednak wyraźnie od siebie oddzielone. Wiadomo też, kiedy i kiedy maluje się obrazy.

Spróbujmy to rozgryźć terminologia w sztuki piękne . Uwierz mi, jest to nie tylko ważne dla tych, którzy zajmują się kreatywnością, ale także interesujące.

Różnica między malarstwem a rysunkiem

Mówiąc ściśle formalnym językiem, rysunek - jest to obraz dowolnych obrazów, obiektów i zjawisk na płaszczyźnie. Można rysować kredą, piórem, ołówkiem, farbami – wszystkim, co pozostawia ślady na danej powierzchni.

W ogóle rysowaniem jest nawet drapanie diamentem po szkle czy np. grafika długopisem na lekcji i tatuowanie.

I tu obraz - to także obraz przedmiotów i zjawisk, ale tylko za pomocą farb. Oznacza to, że mówiąc suchym i formalnym językiem, malowanie jest jedną z opcji rysowania, w której pędzel służy jako narzędzie, a farby są środkami tworzącymi obraz.

Innymi słowy, rysunek jest grafiką i jest brany pod uwagę oficjalnie wszystko, co powstaje na papierze, jest grafiką i, co dziwne, akwarela jest również uważana za grafikę. Chociaż wiele prac uważa się za obrazowe i na papierze

Zatem wszystko, co jest na papierze, to grafika, a wszystko inne to malarstwo… na płótnie, drewnie, szkle, ścianie

Pamiętacie lekcje rysunku w szkole? Tam cały przedmiot nazywał się tak: sztuka piękna. Nie było osobnych lekcji malarstwa i rysunku, właśnie dzisiaj uczono ich pracy z olejem, a następnego dnia - ołówkami.

Stąd powszechne przekonanie, że malarstwo to tylko odmiana rysunku. Formalnie tak jest, w rzeczywistości – inaczej.

Sztuki wizualne - Sztuka uchwycenia obrazu = SZTUKA, stowarzyszenie różnego rodzaju malarstwo, grafika, rzeźba

W rzeczywistości taka hierarchia to prawdziwa biurokracja. We współczesnych sztukach wizualnych istnieje wyraźny podział: obraz- jest to praca pędzlem i farbami na gęstych materiałach, rysunek jest użycie wszystkich innych materiałów na papierze.

Może nie jest to aż tak rygorystyczne i naukowe, ale świat sztuki jest przez wielu kochany za to, że nie podlega nauce, a zatem jego prawa niekoniecznie muszą odpowiadać ścisłej klasyfikacji i terminologii.

Jest jeszcze jeden niuans: pomyśl o słowie "obraz"- składa się z dwóch części: "na żywo" I "pisać". Można to różnie interpretować, ale wielu artystów twierdzi, że praca z farbami żyje właśnie dlatego, że same farby po nałożeniu na płótno wysychają i zmieniają nieco swoje właściwości, czyli żyją własnym życiem.

A sam obraz ma swoje dynamiczne życie, obraz żyje. Lub opis– pisać żywo… Ogólnie rzecz biorąc, słowo „przedstawienie” brzmi moim zdaniem wzniośle i pięknie

Patrzenie i zastanawianie się nad żywymi obrazami

Więc wymyśliliśmy tę część: malowanie to praca z farbami, rysunek to użycie innych środków. Ponadto, malarstwo sztalugowe, monumentalne i dekoracyjne również różnią się od podobnych form rysunku.

Nakładanie farby na ściany rozmawiamy o malowaniu, udekoruj je kredkami - to już rysowanie.

Malowanie czy malowanie?

Inne, nie mniej gorący temat- jak nazwać proces tworzenia obrazu. Wydaje się, że jeśli obraz jest tworzony, to jest on rysowany. A jeśli mówią o liście, zwykle mają na myśli tekst.

Tutaj terminologia ma głębokie korzenie historyczne. Malarstwo na Rusi stopniowo rozwijało się od malarstwa ikonowego, gdy mistrzowie zaczęli próbować go ożywić, uczynić bardziej żywym motywy biblijne, używając tych samych technik, a następnie całkowicie przerzucił się na obrazy nie mające nic wspólnego z religią.

Ale ponieważ ikony były pierwotnie „napisał”, wówczas słowo to przeniosło się do malarstwa i dziś maluje się także obrazy olejne.

Często grzeszę i zazwyczaj „maluję” swoje obrazy

Jeśli mówimy o rysunku, to wszystkie prace tutaj są malowane, bez względu na to, jak znaczące mogą być. Można oczywiście powiedzieć, że artysta „napisał” ołówkiem epickie płótno, ale to nic innego jak wolność.

Czy można malować na płótnie?

Ogólnie rzecz biorąc, zwyczajowo mówi się, że malują olejem na płótnie, ale na przykład po prostu rysują na papierze. Ale nie są to zasady absolutne.

Na przykład, przed malowaniem farbami artysta może wykonać na płótnie szkic ołówkiem. To jest rysunek, rysuje jego autor. I dopiero po nałożeniu farby na ten rysunek obraz zaczyna się pisać.

Choć nikt nie zabraniał rysowania ołówkami, węglem na płótnie… pytanie tylko, że rysowanie na płótnie tkaninowym nie jest zbyt wygodne przy technikach suchych, chyba że jest to oczywiście miejsce, w którym można wykorzystać wszystko.

To samo tyczy się wszelkich innych podstaw, nie tylko malarstwo sztalugowe pozwala na malowanie obrazów. Na przykład, monumentalne malarstwo polega na malowaniu obrazów farbami na różne sposoby obiekty architektoniczne fasada, malarstwo dekoracyjne- jest to list dotyczący różnych przedmiotów i szczegółów wnętrza, - są to malowidła ścienne wewnątrz pomieszczenia z różnymi freskami i malowidłami ściennymi - zaczepy

Jednocześnie, jeśli weźmiemy szklankę lub dzbanek i pomalujemy go np. tuszem, to będzie już rysunek dekoracyjny . Oznacza to, że nie zależy od podstawy, czy zajmujemy się malarstwem, czy rysunkiem. Wszystko zależy od materiałów, z których powstaje obraz.

I wreszcie: nie zakładajcie, że malarstwo jest dla profesjonalistów, a rysunek dla amatorów. Zupełnie nie! Często ołówki, pastele lub kredki tworzą dzieła nie mniej okazałe i wspaniałe niż obrazy olejne lub akrylowe.

A złożoność tworzenia pracy, na przykład tylko za pomocą ołówków, jest bardzo duża. Dlatego jeśli lubisz rysować, wcale nie jest konieczne torturowanie się i zmuszanie się do pisania farbami bez wątpienia - całkiem możliwe jest tworzenie arcydzieł za pomocą tego, co lubisz najbardziej.

Mistrzowie portretu w grafice

Nawiasem mówiąc, tylko w tym przypadku w swojej pracy będziesz mógł w pełni wyrazić siebie i swoje emocje, czy to na płótnie, papierze, szkle czy na ścianie! Są to te podstawowe, a materiały i techniki to tylko narzędzia, spośród których wybierasz najwygodniejsze dla siebie.

Znajomi do artykułu nie zagubiony wśród wielu innych artykułów w Internecie,zapisz w zakładkach.Dzięki temu w każdej chwili możesz wrócić do czytania.

Zadawajcie pytania poniżej w komentarzach, zazwyczaj szybko odpowiadam na wszystkie pytania

„Dawno temu zdałem sobie sprawę, że dla historyków sztuki wyrażanie siebie jest ważniejsze niż treść”.

Eldar Ryazanow

„Dlaczego ja, syn słynnego moskiewskiego malarza, spędzam dzieciństwo i młodość wśród artystów, w których kolekcji więcej malowania i grafikę niż inaczej muzeum regionalne, warto posłuchać historyków sztuki, którzy nie urodziwszy się, nie trzymali pędzli w rękach?

Aleksander Gremicki

W Wikipedii termin „obraz” w odniesieniu do malarstwa definiuje się jako „dzieło sztuki posiadające charakter kompletny (w odróżnieniu od szkicu i opracowania) oraz samodzielne wartość artystyczna.” Pojęcia „etiuda”, „szkic” i „szkic” w odniesieniu do malarstwa są na ogół wrzucane do jednego worka w Wikipedii i sprowadzają się do jednego pojęcia - szkicu, materiału przygotowawczego do własnego malarstwa artysty.

Zobaczmy, czy sprawdza się to w praktyce:

Muszę powiedzieć, że cała terminologia artystyczna powstała w XIX wieku, jeśli nie wcześniej. W tamtych czasach nie tylko tutaj, ale w całej Europie, przyzwoici ludzie mieli mówić wyłącznie po francusku, o czym świadczy terminologia wciąż używana w malarstwie. Zatem słowo „etiuda” pochodzi od francuskiego „étiuda”, a „szkic” – na przykład od francuskiego „esquisse”. Klienci malarzy mieszkali głównie w bardzo przestronnych, delikatnie mówiąc, pokojach, które wymagały dekoracji ogromnymi płótnami, których oczywiście nie dało się namalować z natury. Oczywiste jest, że w takich warunkach wyceniono tylko produkt końcowy - duży obraz (ale, nawiasem mówiąc, został on opłacony wyłącznie). Ponieważ dzieła naturalne, do których w rzeczywistości należą szkice, nikomu nie przyszło do głowy powiesić na ścianie, nie można było za nie zdobyć pieniędzy, a zatem, jeśli zostały napisane, służyły jedynie jako pomocniczy materiał wizualny dla niektórych Duży obraz i były nawet mniej istotne niż szkice, które zostały starannie napisane, bo trzeba było je przedstawić do akceptacji klientowi.

To właśnie tam z „czasów Oczakowa i podboju Krymu” migrowały dawno przestarzałe definicje terminy artystyczne do Wikipedii! Tak, i niestety, także w innych słownikach, a stamtąd - do naszych głów.

Jednak wg koniec XIX stuleci, wraz z demokratyzacją społeczeństwa, poglądy na temat tego, czym mógłby być produkt końcowy w malarstwie, że tak powiem, zmieniły się dramatycznie. Jeśli w dalszym ciągu obwiniano francuskich impresjonistów za etiudowy charakter ich twórczości, to A.K. Savrasov namawiał swoich uczniów, aby „uczyli się od natury”. Spośród artystów rosyjskich na przykład Konstantin Korovin zasłynął właśnie dzięki studiom przyrodniczym, praktycznie w ogóle nie pisał obrazów tematycznych. Żyjemy już w XXI wieku, ale w odniesieniu do malarstwa nadal posługujemy się rozumieniem jego terminologii sprzed 200 lat, paradoks i nic więcej!

Niezrozumienie najprostszych pojęć malarskich używanych w mowie potocznej, na bazie tak starożytnego ich rozumienia, celowo narzucanych opinii publicznej przez szanowanych krytyków sztuki, którzy – jak widać – właśnie dlatego, że PROFESJONALNIE nic w tym nie rozumieją, sztuka, może zmylić zwykłego człowieka. Dlatego w tym artykule chciałbym rozważyć główne terminy powszechnie używane w malarstwie w odniesieniu do aktualnej sytuacji.

ZNACZENIA SŁOWA „PISAĆ”(oczywiście z akcentem na drugą sylabę)

W języku rosyjskim słowo „pisać” ma podstawowe znaczenie „pisać litery i cyfry”. W malarstwie profesjonaliści używają słowa „namalować obraz” jako terminu. Jeśli artysta powie: „Namalowałem obraz”, to w ta sprawa nie posługuje się fachową terminologią, lecz po prostu posługuje się językiem potocznym, as zwykli ludzie, niezwiązane z działalność artystyczna. W sensie terminologicznym rysują węglem, optymistycznie, ołówkiem, pastelą, ale nie malarstwem olejnym. „Ten obraz artysty jest namalowany olejem” – może powiedzieć tylko osoba daleka od malarstwa. I nie ma w tym nic strasznego, to nie jest takie ważne. Nie ma znaczenia, że nie wiesz, co to jest czerwony kraplak lub żółcień kadmowa i nigdy nie słyszałeś o jakiejś umbrze czy sjenie palonej. Tytuły farby artystyczne, które dokładnie oznaczają określone kolory (w końcu zarówno czerwony, jak i żółty i niebieski są różne), niespecjalista absolutnie nie musi o tym wiedzieć, a historycy sztuki nie wkraczają w tak wąsko profesjonalne, precyzyjne terminy.

Z drugiej strony ci panowie „zarządzający sztuką”, czyli prościej krytycy, czyli dziennikarze piszący na temat sztuki, skutecznie narzucili wszystkim innym fałszywe przekonanie, że sztuka, jak mówią, „powinna być zrozumianym." Kto zna się na sztuce? Oczywiście nikt inny jak historycy sztuki!

W ten sposób udało nam się wyjaśnić, że w sztukach pięknych niczego nie wiemy i nie rozumiemy. A najciekawsze jest to, że całkowicie się z tym zgadzamy! Kogo nie zapytasz: „Nie rozumiem malarstwa”, „Nie rozumiem sztuki”… i w tym duchu.

A właściwie co tu jest do zrozumienia? Sztuka, także piękna, powstaje dla nas, zwykli ludzie, a nie dla „specjalistów”, odwołuje się do estetyki, która z natury jest wpisana w każdego z nas. W sztuce dla widza, czytelnika i słuchacza istnieją tylko dwa kryteria – lubić i nie lubić. Czy przeczytasz nudną książkę? Patrzeć zły film czy sztuka? Czy posłuchasz opery, muzyki, piosenki, której nie lubisz? Myślisz, że Kazimierz Malewicz genialny artysta i Welimir Chlebnikow – genialny poeta? NIE? Brawo! Jesteś świetny w sztuce!

Abyśmy jednak mogli, jak to ująłem Piotr, „rozpoznawać od innych nieświadomych głupców”, konieczne jest jednak wyjaśnienie sobie kilku powszechnych, często spotykanych w mowie potocznej terminów związanych z malarstwem w tym sprawa.

MATERIAŁ NA OBRAZ ARTYSTY

Zwykle w to wierzą nieprofesjonaliści, za namową tych samych historyków sztuki prawdziwe zdjęcie olej należy malować wyłącznie na płótnie, a inne podstawy, jak karton artystyczny, z reguły nie zasługują na uwagę. W takim razie Mona Lisa nie powinna być uważana za obraz, ponieważ Leonardo do swoich prac używał deski lipowej.

Karton zagruntowany tak, aby farby nie wsiąkały w niego białą masą, tzw. podkładem składającym się z kredy i kleju lub podkładem kolorowym, jeśli artysta tego wymaga, czyli specjalną tekturą artystyczną, jest zaskakująco wygodny w pracy, zwłaszcza na świeżym powietrzu. Karton to zwarty, dość gęsty materiał, który nie ugina się pod naciskiem pędzla, w przeciwieństwie do płótna. Pod wpływem zmian temperatury i wilgotności w pomieszczeniu płótno czasem się ugina, czasem rozciąga, farby z niego z czasem się kruszą, ale nie z tektury. Malowanie na tekturze jest tak samo trwałe jak sama tektura, a płótno przewyższa nawet tekturę pod względem trwałości.

To samo można powiedzieć o płycie pilśniowej, chociaż jest ona znacznie cięższa od tektury. Radzieccy artyści często sami gruntowali płytę pilśniową lub nawet po prostu, aby ułatwić pisanie i pędzel nie wyskakiwał, specjalnie przyklejali zagruntowane płótno na płytę pilśniową. Tutaj jesteś doskonały przykład, martwa natura z bzami ma dość duży rozmiar:

A co z płótnem? Wyłącznie z nim artyści Imperium Rosyjskie pracował do 1862 roku, kiedy to w rosyjskim przemyśle zaczęto produkować tekturę artystyczną.

Płótno wymaga ciężkiego noszy i dobrego rozciągnięcia płótna. Jednocześnie trzeba długo czekać, aż farba wyschnie po zakończeniu pracy, w przeciwnym razie płótna nie można zwinąć, ponieważ mokre farby skleją się i obraz zostanie całkowicie zniszczony. Farby mogą schnąć przez cały miesiąc. Tutaj artysta rozpoczyna przymusowy przestój. Na czas transportu obraz, jeśli jest duży, wyjmuje się z noszy, ostrożnie składa na duży babin, obrazem do góry, tak aby nie uszkodzić obrazu. Kolejny etap - po dostarczeniu na miejsce płótno należy ponownie naciągnąć na krosno, prawidłowo, bez zniekształceń, zmarszczek w rogach i zagięć, ale bez nadmiernych naprężeń (to wszystko może również uszkodzić warstwę malarską). Z biegiem czasu płótno naciągnięte na noszach pod wpływem zmian wilgotności i temperatury może się zwisać lub odwrotnie, nadmiernie się rozciągać, co może nawet grozić rozerwaniem płótna. To z kolei może spowodować łuszczenie się warstwy farby, zniszczenie lub zniszczenie obrazu. Dlatego w halach i magazynach muzea sztuki dlatego ściśle monitoruj stałość wilgotności i temperatury.

Tektura artystyczna ma wiele zalet. Jest lekki, wystawiony na zewnątrz, można go umieścić w specjalnej drewnianej ramce z klipsami, która posiada na górze uchwyt na pasek do przenoszenia. Ideę tego przydatnego urządzenia daje rysunek takiej ramki do szkiców, zachowany w papierach mojego ojca, który mój ojciec zamówił u jakiegoś stolarza. Oto rysunek:

Czasem malarz zabiera ze sobą dwa kartony do szkicowania na raz. Najpierw używa się jednego, a potem if

zmieniło się oświetlenie, nastrój lub jakiś inny motyw przykuł uwagę, artysta bierze drugą tekturę i już na niej pisze. Po skończonej pracy wkłada surowe jeszcze kartony do ramy i mocuje je zaciskami. Kartony nie stykają się ze sobą. Jednocześnie obraz pozostaje nienaruszony i nieuszkodzony. Wyschnie w warsztacie.

Dlatego po 1862 roku, kiedy uruchomiono przemysłową produkcję zagruntowanej tektury artystycznej, malarze stopniowo zaczęli coraz częściej podróżować z tekturą w plener.

Panowie historycy sztuki, którzy nic o tym wszystkim nie wiedzą i sami nie napisali ani jednego szkicu, z pogardą odnoszą się do tektury artystycznej, nie bez powodu uznając malarstwo na tekturze za oczywiście niedokończone, wychodząc tylko z tego, że w większości są to prace pisane na tekturze etiudy, które, jak zobaczymy poniżej, są zawsze gotowymi, starannie opracowanymi dziełami, często wymagającymi bardzo dużego wysiłku. Co więcej, wymyślono także słowo „etiuda”, używane jako synonim niedokończonego dzieła, zaniedbania i… niekompletności! Ale zapytam, co ma wspólnego niestaranność wykonania lub niekompletność obrazu z tym, na czym jest on zapisany? Tak, a na płótnach nie ma szkiców, prawda?

Nawiasem mówiąc, obraz utrzymany jest w stylu socrealizmu Artysta radziecki Nikołaj Ovchinnikov „W sklepie”, który we wrześniu 2016 r. V.V. Putin dał D.A. Miedwiediew jest napisany na tekturze.

Ściśle rzecz biorąc, nie jest to obraz, ale pełnowymiarowe studium wykonane przez artystę bezpośrednio w warsztacie fabrycznym, ale ta terminologia zostanie omówiona poniżej.

Najważniejszy jest nie materiał, na który obraz został nałożony, ale to, jak artysta potrafił oddać rzeczywistość, nastrój, swoje uczucia i zdradzić je widzowi. Materiał bazowy, czy to płótno, karton, płyta pilśniowa, papier, deska, czy nawet cienka ocynkowana blacha, nie ma z tym nic wspólnego. Ważny jest talent, doświadczenie, dobra szkoła plastyczna. Mówią, że w Abramtsevo S.I. Mamontow kiedyś zmienił dach w domu. MAMA. Vrubel podniósł kawałek żelazka i napisał na nim liliowy. I co teraz, to nie jest Vrubel?

Oto „Portret D.P. Smirnowej, pracownika manufaktury Tryokhgornaya, zastępcy Rady Najwyższej ZSRR”

dzieła radzieckiego artysty Siergieja Fiodorowicza Sołowjowa. Jest również wykonany z żelaza ocynkowanego. Portret, ze względu na swoje ponad skromne wymiary 37,5x31,5 cm i taką oficjalną nazwę, jest niewątpliwie prawdziwym studium dla dużego, robionego na zamówienie portretu lidera produkcji. Podobno kiedy model przyszedł pozować do pracowni artysty, nie miał nic innego pod ręką, więc napisał całkowicie wykończoną małą portret kobiety, który następnie, z być może niewielkimi zmianami, został przeniesiony na duże płótno.

Czasami, z powodu ówczesnego niedoboru wszystkiego, pisali radzieccy artyści farby olejne nawet na papierze, który w ogóle nie jest do tego przeznaczony. W szczególności czasami działał mój ojciec. Potem, po śmierci ojca, musiałem nakleić ten papier na tekturę. (Papier „Śnieg” na tekturze, olej; 61,5x82; 1969)

Przecież pisali nawet na płótnie z podartych worków! I wyszło nieźle!

Oto na przykład dzieło ojca „Przewodniczącego”. Jej historia jest następująca: jej ojciec odbył podróż służbową do jednego z kołchozów w Ałtaju, gdzieś pod Bijskiem, z zadaniem napisania tam przewodniczącego, Bohatera Pracy Socjalistycznej. Naturalnie w kołchozie nie było płótna, a tym bardziej zagruntowanego, więc ojciec rozdarł jakąś ogromną torbę, naciągnął ją na zaimprowizację, od razu zwinął nosze, zagruntował płótno i namalował portret przewodniczącego. Następnie, już 50 lat po wydarzeniach, musiałem przeciągnąć tę pracę na zwykłe już nosze.

Lub tu jesienny krajobraz„Karmazynowa Jesień”, napisana przez mojego ojca gdzieś w odległej wiosce, również przy użyciu podobnej technologii:

Zatem: JEŚLI NAPISZESZ OGROMNY WIELOWOMETROWY OBRAZ, chcąc nie chcąc, będziesz musiał go namalować na płótnie WYŁĄCZNIE W CELU PÓŹNIEJSZEGO TRANSPORTU, a nie po to, by miał wartość artystyczną!

W innych przypadkach nie ma znaczenia, na czym pisać, w przeciwnym razie pierwsze kupione przez P.M. Tretiakow dwie ETUDY M.A. Vrubel NA KARTONIE, nie ma mowy wartość artystyczna nie reprezentował.

STUDIA I SZKICE

Etiuda jest przecież, cokolwiek się powie, całkiem skończona, stosunkowo niewielkich rozmiarów, mianowicie naturalny praca wykonywana w plenerze (pejzaż) lub, powiedzmy, w warsztacie (martwa natura, portret) i jest dość niezależna praca. Jednak szkice można w przyszłości wykorzystać także do namalowania dużego obrazu, czasem nawet ogromnego wielometrowego płótna, co jest już możliwe tylko w pracowni. Gabinet, zwłaszcza krajobrazowy, ma najczęściej wymiary, z grubsza mówiąc, nie przekraczające 60 na 80 cm, czyli rozmiar wygodny do noszenia przez jedną osobę. Oto przykład takiego badania terenowego:

Etiuda może mieć formę jednej sesji, napisanej w jednej sesji, czyli w ciągu jednego dnia. Ale zdarza się to dość rzadko, znacznie częściej badanie wymaga kilku, a nawet wielu sesji. Studium wielosesyjne, zwłaszcza jeśli jest to krajobraz naturalny, wymaga czasami kilku lat pracy. Dzieje się tak zwykle wtedy, gdy pogoda zmienia się gwałtownie i na długo, a pożądany stan pojawi się już w przyszłym roku. Cóż, na przykład piszesz złota jesień w ostrym słońcu pozostało jeszcze kilka sesji, a potem padało przez cały miesiąc, mimowolnie trzeba będzie przyjechać w to miejsce w przyszłym roku.

Zatem, etiuda jest dziełem naturalnym, ukończone dzieło sztuki, nad którym malarz włożył sporo pracy, czyli w języku potocznym gotowy obraz olejny jest stosunkowo duży rozmiar.

Oczywiście zdarzają się też niedokończone etiudy, ale wielometrowy obraz też może być niedokończony. Jak zatem widzimy, pogląd szanowanych historyków sztuki, już dawno przestarzały, na ponad 100 lat stracił swoje dawne znaczenie, głoszący, że etiuda jest z konieczności czymś niedokończonym i o niewielkiej wartości artystycznej, co niestety mocno w nas włożyli w głowę, a to, co znajduje odzwierciedlenie, niestety, nawet w słownikach, dziś już od dawna nie ma najmniejszych podstaw.

NASZKICOWAĆ

Szkic różni się od etiudy tym, że jest zawsze wykonywany wyłącznie w celu przygotowania dużego obrazu tematycznego (na przykład wielopostaciowa kompozycja na określony temat. „Poranek egzekucji Streltsy” Surikowa). Nie zawsze na szkicu występuje kompletność, w tym przypadku ma ona charakter szkicu. Porównajmy dwa szkice do świetna robota Radziecka artystka Claudia Tutevol. W pierwszym przypadku szkic zrobiłem dla siebie, jako materiał roboczy (Szkic panelu do pawilonu Kosmos na WOGN)

W drugim przypadku (Szkic plafonu sufitowego Teatru Opery i Baletu Abai w Ałma-Acie) szkic został sporządzony do zatwierdzenia przez radę artystyczną, o czym świadczą podpisy i pieczątki w lewej dolnej i górnej części naszkicować. Jest zatem całkowicie wykończony i wykończony, bez szkiców, tj. nie ma tu zapachu zaniedbania i niekompetencji. Na przykład w architekturze byłby to model odpowiedniej struktury architektonicznej.

Szkic do obrazu może być całkowicie wykończonym, a nawet starannie narysowanym lub narysowanym obrazem dłoni, stopy, ucha, twarzy, sylwetki lub głowy osoby, konia, psa, innego zwierzęcia, a nawet traktora, ciężarówki, jakiś przedmiot lub część ubrania, wszystko w środku ten moment malarza interesuje w ogóle wszystko, co może wkroczyć w przyszłość Duży obraz artysta. Co więcej, wszystko to czasami zmieści się na tym samym kawałku płótna, tektury lub płyty pilśniowej.

Takie szkice, czasem niedokończone, niestarannie, pospiesznie wykonane, nazywane są także szkicami, czyli tym, co artysta w procesie projektowania dużej, wielofigurowej kompozycji „naszkicował” na kartce papieru, tektury, płótna itp.

Ponadto szkice nazywane są także szybkimi szkicami wykonywanymi przez artystę spontanicznie, pod wpływem chwili. Przykładem jest szkic V.G. Papier Gremitskikh „Away” 25,5x17, ołówek; Lata 40.

V.G. Papier Gremitsky „Odwiedziny”, ołówek; 25,5x17; Lata 40

Jak widać, artysta już na pierwszej kartce papieru, jaka wpadła mu w ręce, ot tak sobie naszkicował prostym ołówkiem, także najwyraźniej schowany pod pachą, obserwuje scenę rodzajową.

Ale moskiewski artysta Igor Radoman namalował mojego ojca, odpoczywającego na łóżku gdzieś w domu artystów Akademiczeskaja Dacza:

Artyści wszelkiego rodzaju, liczni w Czas sowiecki spotkania i w ogóle spotkania nudziły się nieustannie i bawiło ich to, że robili sobie nawzajem szkice ołówkiem. Mam w swojej kolekcji wiele podobnych szkiców różnych artystów.

Szkic można wykonać nie tylko ołówkiem, ale także farbami olejnymi, sangwinicznymi, pastelami, węglem, piórem i czymkolwiek, nawet długopisem, bo prawdziwy artysta nie może przeżyć ani minuty bez swojego zawodu. Dla artystów realistów jest to po prostu swego rodzaju mania zawodowa na poziomie odruchu warunkowego, wymagająca ciągłego treningu, doskonalenia umiejętności, co w istocie odróżnia prawdziwego artystę, który codziennie i co godzinę poświęca sztuce całe swoje życie, od tzw. - zwani artystami „nowoczesnymi” i artystami awangardowymi, których do niczego nie trzeba umieć, a zatem nie jest wymagane żadne szkolenie – nie ma umiejętności, nie ma czego doskonalić, znajcie się, żeby malować kwadraty i trójkąty!

Nawiasem mówiąc, szkic, w zależności od czasu, jaki artysta ma na jego wykonanie, może również zamienić się w całkowicie ukończony rysunek. Tutaj mamy całkowicie wykończone portret dziecka ołówek „Wołodia na meczu” malarz Murom Wasilij Wasiljewicz Sierow, ale mimo to - to szkic!

Szkice są pomocą w procesie wielkoformatowej pracy artysty obrazek tematyczny. Szkice wykonywane są nie tylko olejem, ale także węglem lub ołówkiem, temperą itp. Na szkicu dodatkowo cała przyszłość duża malarstwo wielopostaciowe artysta.

Jako przykład dwa szkice do dużego obrazu tematycznego „Dowódcy wojna domowa”sowieckiego artysty Grigorija Gordona, który w rzeczywistości jest zbiorowym portretem najsłynniejszych czerwonych dowódców wojny domowej.

Początkowo malarz zdecydował się po prostu ustawić je wszystkie na tle czerwonego sztandaru,

ale potem taka kompozycja wydała mu się nudna i postanowił ją trochę skomplikować:

Jak widać, w tym przypadku szkice wykonane są temperą, a w dodatku mimo szkicowości obu prac, tj. niekompletność i widoczne zaniedbanie w wykonaniu, wszyscy bohaterowie przyszłego dużego obrazu są dość rozpoznawalni. Wyraźnie widzimy Woroszyłowa, Budionnego, Szczora, Frunzego, Czapajewa, Parkhomenko i tak dalej.

A oto szkic dużego obrazu tematycznego „Aresztowanie Aleksandra Uljanowa” wspomnianego już artysty Murom V.V. Serow:

Oczywiście wynik może różnić się od pierwotnego zamierzenia. Prawdziwy artysta z reguły Nowa rzecz nie wychodzi mi z głowy. Stale zgłębia interesujący go temat. Rozważa to, przemyśla, dużo obserwuje, czyta odpowiednią literaturę. Jeśli na przyszłym obrazie tematycznym znajduje się krajobraz, zapisywane są odpowiednie szkice naturalne, które następnie, zwykle w nieco zmodyfikowanej formie, są przenoszone na obraz. Czasami pojedyncze szczegóły z kilku pełnowymiarowych badań są od razu przenoszone na duży obraz.

Jednak pełnowymiarowe studium, w przeciwieństwie do szkicu i szkicu, jest, jak już widzieliśmy, pracą niezależną i koniecznie całkowicie ukończoną. Oto doskonały przykład dla Ciebie. Po otrzymaniu zamówienia na duży obraz tematyczny „Lenin i Gorki w Gorkach” wiosną 1952 roku mój ojciec wielokrotnie jeździł do Leninskich Gorek pod Moskwą i tam namalował dwa duże szkice, oba na płótnie. Najpierw Gorki. Wiosna. płótno, olej; 60x80cm",

a następnie – „Na wzgórzach Lenina, olej na płótnie; 78,5 x 57 cm.

Następnie, na ostatnim dużym zdjęciu, ojciec wziął za podstawę drugie badanie, lekko odsunął stopnie i umieścił przed nimi Maksyma Gorkiego rozmawiającego z Leninem. Z etiud „Gorki. Wiosna." wziął w tle wcześniejszy stan natury, znacznie redukując sam krajobraz z pawilonem w porównaniu do centralne postacie. Niemniej jednak oba studia, każde samo w sobie, stanowią całkowicie niezależny krajobraz parkowy, nie różniący się od licznych innych naturalnych krajobrazów jego ojca. Gdybym nie opowiedział tutaj tej historii, gdybyś choć trzykrotnie był krytykiem sztuki, nigdy byś nie domyślił się, że oba te dzieła posłużyły do stworzenia obrazu socrealizmu, prawda? Jak więc można powiedzieć, że szkice nie mają pełnego charakteru i samodzielnej wartości artystycznej? (Przypomnij sobie definicję z Wikipedii).

Duży tematyczny obraz wielofigurowy wymaga ogromnej i długotrwałej pracy nad nim, obecności ogromna ilość szkice i szkice. Jest pisany wyłącznie w warsztacie, często przez wiele lat. Weź przynajmniej A. A. Iwanowa z jego Duży obraz„Pojawienie się Chrystusa ludziom”, nad którym artysta pracował przez dwadzieścia lat - od 1837 do 1857, lub Wasilij Surikow, który pracował nad każdym ze swoich obrazów przez trzy do pięciu lat.

CZYM RÓŻNI SIĘ ZDJĘCIE OD STUDIUM?

Etiuda będąca samodzielną i całkowicie wykończoną grafika, różni się od obrazu przede wszystkim tym, że jest napisany z natury. Obraz jest malowany wyłącznie w warsztacie na podstawie ogromnej ilości materiału - szkiców, szkiców, szkiców, szkiców ołówkiem i fotografii. Czasem trzeba się uczyć duża liczba literatury i czasopism, natomiast fabuła, czyli temat obrazu, jest wymyślony przez samego artystę lub podyktowany przez klienta. I co ważne, obraz zawsze ucieleśnia WSTĘPNĄ INTENCJĘ ARTYSTY, natomiast szkic jest PISANY W WIĘKSZOŚCI SPONTANICZNIE – artysta bierze szkicownik i wyrusza w poszukiwaniu motywu, tj. taki, jaki napisze. Gdziekolwiek widział, zatrzymywał się i pisał.

Nie ma wyjątków i szkiców, napisanych specjalnie do tworzenia dużych obrazów tematycznych. W przypadku, o którym wspomniałem powyżej, mój ojciec najpierw znalazł altankę w Gorkach Leninskich, zdecydował, że ustawi przed nią Lenina i Gorkiego, a dopiero potem namalował tą altaną dwa studia z natury.

W zasadzie można tak powiedzieć wszystko, co napisane z natury, jest etiudą czy to pejzaż, martwa natura czy portret, i wszystko, co wymaga wstępnego planu, długotrwałej pracy z licznymi i różnorodnymi materiały przygotowawcze- To jest obraz .

Zdecydowanie obraz można nazwać epokowym płótnem o dużych, a czasem po prostu ogromnych rozmiarach. Był taki artysta Heinrich Ippolitovich Semiradsky. Namalował więc tak duże obrazy, że zwisały z sufitu w pracowni i sięgały podłogi, a pamiętajcie, że to wcale nie zdarzało się w Chruszczowie. Dlatego akademik i profesor Cesarskiej Akademii Sztuk musiał ciągle wspinać się po schodach, czasami miał tak ogromne dzieła. ŻOŁNIERZ AMERYKAŃSKI. Na Semiradskim widniały głównie duże obrazy fantasy motywy antyczne, którego wątki wyjął z głowy, ponieważ prawdziwe życie Starożytna Grecja i Rzymu za czasów cesarza Nerona obserwować na własne oczy, oczywiście nie mógł.

Jednak obraz może być dość skromny, zwłaszcza w przypadku obrazów gatunkowych, czyli obrazów artystów przedstawiających sceny codzienne. Na przykład słynne „Zaloty majora” Pawła Fiedotowa mają dość etiudę - tylko 58,3 x 75 cm, ale jak sam rozumiesz, najwyraźniej nie została napisana z natury bezpośrednio w salonie kupca.

Ogólnie rzecz biorąc, obraz historyczny jest wyłącznie fantastyką. Na przykład obaj bracia Wasnetsow pisali na materiałach historycznych, ale bardzo różnych. Jeden odtworzył życie i architekturę Moskwy w XIV i XVII wieku, drugi wziął za podstawę język rosyjski. ludowe opowieści i eposy. Ale jeśli Apollinaris, poważnie, dalej poziom naukowy, który zajmował się historią i archeologią, był członkiem różnych towarzystw historyczno-archeologicznych, będąc gorącym zwolennikiem szerzenia wiedzy historycznej, starał się odtworzyć życie i poglądy średniowiecznej Moskwy „takiej, jaka była” na podstawie starożytne dokumenty i wyniki wykopalisk archeologicznych, w których czasami osobiście brał udział, wówczas obrazy jego starszego brata Wiktora miały już charakter czysto fantastyczny.

Obrazy batalistyczne należą do tej samej kategorii. Malowanie ich z życia bezpośrednio na polu bitwy, jak wyobrażają sobie niektóre panie zajmujące się historią sztuki, jest po prostu śmieszne. Słynny rosyjski malarz batalistyczny V.V. Wierieszczagin, który osobiście obserwował wiele bitew, a czasem nawet brał w nich bezpośredni udział, swoje obrazy malował wyłącznie z pamięci, oczywiście w pracowni, w oparciu o liczne szkice wykonane w teatrach działań wojennych. Ponadto Wasilij Wasiljewicz dużo czytał, przeprowadzał wywiady z naocznymi świadkami, wydawał dużo pieniędzy na rekwizyty - kupował broń, mundury, sprzęt, który następnie czerpał z natury, przygotowując w ten sposób szkice do wymyślonych przez siebie obrazów.

Duże obrazy przedstawiające pejzaż to także rzeczy nienaturalne, ale wymyślone przez artystę z głowy i wykonane na podstawie naturalnych szkiców. Kiedyś przypadkiem zobaczyłem szkic o wymiarach około 60 na 80 cm, na podstawie którego I.I. Szyszkin namalował swój słynny duży obraz „Żyto” o wymiarach już 107 na 187 cm Szkic był na płótnie i przedstawiał wszystko tak samo jak na zdjęciu, tylko droga nie prowadziła prosto od widza do sosen, ale nieco w bok i liczba sosen była inna. W tym przypadku studium przyrodnicze najwyraźniej posłużyło jako podstawa do stworzenia dużego malarstwa pejzażowego, ale samo w sobie jest dziełem całkowicie wykończonym i starannie wykonanym.

Można więc mówić nie tylko o szkicu do obrazu, ale także o szkicu do obrazu, jeśli szkic jest napisany specjalnie dla niego. Najczęściej dotyczy to krajobrazu. Jeśli I.I. Szyszkin ograniczył się do wspomnianego powyżej szkicu i z jakiegoś powodu nie zaczął pisać na nim dużego dzieła, teraz krytycy sztuki Galerii Trietiakowskiej pochwaliliby się obrazem I.I. Shishkin „Żyto” 60x80 cm, nie podejrzewając, że jest to studium natury.

PODSUMUJMY:

Obraz, w odróżnieniu od szkicu, z konieczności wymaga wstępnego planu artysty, długiej refleksji i zawsze wyróżnia się starannością wykonania i dekoracją, że tak powiem, rozpisaną. Obraz dowolnej wielkości artysta maluje zawsze w pracowni na podstawie najróżniejszego materiału: fotografii, szkiców przygotowawczych i szkiców, a w razie potrzeby na podstawie wcześniej napisanych badań terenowych. Obraz, nawet mały, a tym bardziej duży, zawsze malowany jest nie w plenerze, nawet jeśli jest to pejzaż (spróbuj takiego kolosa zaciągnąć ze sobą w pole lub do lasu!) , Ale w pracowni artysty. Duży obraz z pewnością jest napisany na płótnie, co wynika z niczego innego jak wyjątkowej wygody dużych płócien w transporcie.

Obraz tematyczny - jak wynika z samego terminu, jest to obraz na konkretny temat. Najczęściej jest to kompozycja wielofigurowa o dużych rozmiarach. Termin ten powstał już w historii sztuki radzieckiej, dlatego najczęściej używa się go w odniesieniu do dzieł tzw. realizmu socjalistycznego, na przykład na temat wojny obywatelskiej, wielkiej Wojna Ojczyźniana lub, powiedzmy, „Lenin w październiku”. Ponieważ rozmiar takich dzieł jest często po prostu ogromny, malarz oczywiście pracuje nad takim obrazem w swojej pracowni i zapisuje go na płótnie. „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana” I.E. Repina, którego wymiary wynoszą 2,03 na 3,58 metra, w zasadzie można też nazwać obrazem tematycznym, choć nie ma w nim zapachu socrealizmu. Został on również napisany przez Ilję Efimowicza w warsztacie na podstawie wielu szkiców i szkiców, a także na przykład „Przewoźnicy barek na Wołdze” (1,31 na 2,81 m).

Malarstwo rodzajowe - od czego pochodzi nazwa Francuskie słowo„gatunek” to zazwyczaj praca

mały rozmiar, przedstawiający dowolną scenę z życia. Na przykład szeroko słynny obraz Rosyjski artysta Paweł Fiedotow (1815-1852) „Major’s Matchmaking”, o którym już wspomniano, ma wymiary zaledwie 58,3 na 75,4 cm. świeży kawaler„I jeszcze mniej – 48,2 na 42,5 cm, a przecież artysta pracował nad tym niewielkim obrazem gatunkowym dziewięć miesięcy!

mały fragment rozmowy można wykonać nie tylko na płótnie, ale także na kartonie czy płycie pilśniowej. Materiał ten zaczął być szeroko rozpowszechniany już w XX wieku.

Jest też coś takiego jak portret gatunkowy. Po prostu portret to portret osoby na neutralnym tle, ale gdy pojawia się tło przedstawiające przedmioty, ludzi lub nawet krajobraz przemysłowy, które podpowiada widzowi na przykład zawód przedstawianej osoby, to jest to już portret gatunkowy. Przykładem jest gatunek kobiecy portret „Weteran praca górnika„dzieło radzieckiej artystki Klaudii Aleksandrownej Tutevol, o której już tutaj wspomniano:

Etiuda, jak powiedzieliśmy powyżej, jest dziełem całkowicie ukończonym, samodzielnym, ale z pewnością naturalnym. Jest to dzieło całkowicie samodzielne, ale może pełnić także rolę materiału pomocniczego do dużego obrazu artysty, co w niczym nie umniejsza jego wartości artystycznej. Może to być martwa natura, portret, pejzaż, wnętrze. Studium, ze względu na stosunkowo niewielki rozmiar, jest napisane na wszystkich powyższych materiałach, ale najważniejsza w nim jest oczywiście jakość pracy malarza, jego umiejętność budowania kompozycji w martwej naturze, odzwierciedlenia charakter modelki na portrecie oddaje podekscytowanie lub spokój morza, zimna zimowy las, piękno zachodu słońca, urok złotej jesieni czy wiosenny nastrój natury w krajobrazie.

Szkic jest pracą pomocniczą, ma na celu utrwalenie idei kompozycji przyszłości

obrazek tematyczny. Jako przykład weźmy szkic do obrazu „Dziewicowe ziemie” E. D. Ishmametova. Artysta opracował w nim kompozycję i kolor, postacie, pozy postaci, a następnie namalował duży obraz na ten temat. Malarz zawsze bardzo dokładnie przemyśla szkic obrazu. Zwykle szkic charakteryzuje się pewną niekompletnością, niekompletnością. Wynika to z faktu, że artysta najczęściej nie musi go kończyć, oto kolejne zadanie - opracowanie opcji kompozycji przyszły obraz, udoskonalenie pierwotnego zamysłu. Dlatego szkic najczęściej ma charakter szkicu. Ale może to być także całkowicie wykończona, starannie narysowana praca, zwłaszcza gdy szkic przeznaczony jest do zatwierdzenia przez komisję selekcyjną, co widzieliśmy już na przykładzie szkicu sufitu teatru. Abai w Alma-Acie – Claudia Tutevol.

Szkic, jeśli powstaje w trakcie pracy nad obrazem, jest także dziełem czysto pomocniczym, niedokończonym, nierysowanym szczegółowo.

Jest pisany lub rysowany szybko, ale niedbale dobrzy artyści w nim się nie dzieje. Możesz szybko napisać, powiedzmy, głowę modelki, która później zamieni się we wspaniały gotowy portret, lub możesz wykonać szybki szkic jakiejś postaci, która może później być potrzebna do stworzenia kompozycji dużego obrazu, a szkic pozostanie dziełem niezależnym, interesującym dla kolekcjonerów i amatorów. Oto na przykład szkic V.G. Gremickiego „Taniec”:

Jednak, jak widzieliśmy powyżej, szkice mogą być również całkowicie niezależne.

Szkic też ma zwykle charakter szkicu, ale szkic to w zasadzie plan przyszłego obrazu, cała jego kompozycja, natomiast szkic do obrazu to szybki szkic coś, co w zasadzie można uwzględnić w przyszłym obrazie.

O NIEKTÓRYCH INNYCH TERMINACH POPULARNYCH W MALARSTWIE:

Kiedyś ze zdziwieniem dowiedziałam się, że kadr to „obraz olejny bez wyraźnego rysunku postaci ludzi i zwierząt”. Tak naprawdę sztafaż to niewielkie postacie ludzi lub zwierząt, wpisane przez artystę w pejzaż, aby go ożywić.

Inny termin z pejzaż- kamerton. To jasny punkt, kontrastujący z ogólnym tłem krajobrazu. Zwykle jest to jakiś personel. Przykładem jest dzieło artysty z Taszkentu

V.M. Kowinina” Krajobraz górski z postacią dziewczynki ubranej w jaskrawoczerwony strój narodowy.

To dziwne, gdy płótno nazywa się dowolnym obraz olejny, nawet niewielkich rozmiarów, a nawet napisane na kartonie. „Len to gładka i gęsta tkanina lniana o najprostszym splocie; najcieńsze odmiany nazywano cambric, najgrubsze - płótno, płótno, równe itp. (Wikipedia). Zatem płótno nie może być ani kartonem, ani płytą pilśniową, w odniesieniu do malarstwa jest to zdecydowanie płótno.

W malarstwie obrazy o ogromnych rozmiarach nazywane są płótnami i zwykle dotyczą jakiegoś epokowego tematu. Można więc powiedzieć, że spod pędzla Wasilija Surikowa wyszły dopiero płótna, ale Konstantin Korovin zasłynął głównie dzięki swoim etiudom. Jeśli „Dziewiątą falę” Aiwazowskiego można w pełni nazwać płótnem, to w porównaniu ze wspomnianym już małym dziełem „Świeży kawaler” Fiedotowa będzie to po prostu śmieszne, mimo że jest również namalowane na płótnie.

Trochę więcej o glebach: Co to jest gesso? Jest to specjalny podkład, również na bazie kredy, który służy do pokrycia drewnianej deski. Wcześniej w Zachodnia Europa Na tablicach często pisano obrazy, na Rusi - ikony i zawsze. To wyjątkowo niewygodny materiał. Kiedyś w Holandii deski suszono przez 50 lat, a dopiero potem zabrano je do pracy. Obecnie artyści rzadko używają gesso, ponieważ farba wraz z grubą warstwą podkładu łatwo odpryskuje z biegiem czasu lub pod wpływem lekkiego uderzenia. Tak, a współcześni malarze ikon używają go coraz rzadziej.

Podsumowując, dla przejrzystości podam jeszcze kilka ilustracji:

Praca V.G. Gremickiego, który nazywa się „Etiuda”. Jest to w istocie, jak sama nazwa wskazuje, pełnowymiarowy portret gatunkowy robotnicy, wykonany w jednej sesji, namalowany bezpośrednio w jej miejscu pracy przy budowie elektrowni wodnej w Kujbyszewie.

A oto portret gatunkowy autorstwa artysty z Taszkentu Walerego Kovinina:

Nie jest to z pewnością portret z jednej sesji, tutaj artysta wyraźnie dręczył kolegę, który był jego modelem, liczbą sesji, co widać zarówno po starannym pisaniu dzieła, jak i po jego wielkości. A jednak to męski portret nie jest to obraz, ale wielosesyjne studium przyrodnicze, co w żaden sposób nie umniejsza jego walorów artystycznych.

Na dowód tego ostatniego twierdzenia rozważ słynny portret kobiecy „Dziewczyna w słońcu”. Jego kuzynka, Maria Simonovich V.A. Sierow malował z natury przez całe lato 1888 roku, łapiąc każdy słoneczny dzień (w pochmurne dni malował pejzaż „Zarośnięty staw”). Wstępny projekt (powiedzieliśmy powyżej sławny artysta również był nieobecny, chciał tylko, jak to określił, „napisać coś zachęcającego”.

Mamy tu zatem do czynienia z niczym innym, jak typowym, wielosesyjnym studium przyrodniczym, pisanym z kaprysu, na chwilową ochotę. Na szczęście dla P.M. Tretiakow, który kupił to dzieło, nie wiedział jeszcze, że „Studium – w sztukach pięknych – jest szkicem przygotowawczym do przyszłego dzieła”. (Wikipedia) Tak, a Valentin Serov wykazał się skrajnym stopniem nieprofesjonalizmu, spędzając na dwóch szkicach przygotowawczych - portretie dziewczynki i krajobrazie ze stawem aż 90 dni!

Podobnych przykładów można by przytoczyć jeszcze wiele, ale obawiam się, że już mocno zmęczyłem czytelnika. Mam nadzieję, że mimo wszystko udało mi się wnieść swój skromny wkład w wyjaśnienie opinii publicznej niektórych z najczęściej używanych terminów artystycznych, w których czasami, szczerze mówiąc, nawet sami artyści się mylą.

Aleksander Gremicki

Na awatarze: V.M. Kovinin „Na niedzielny bazar. Karakalpakstan”. olej na płótnie 98x178. 1971 (jest to typowe malarstwo dużego gatunku)

Rozpoczęcie dialogu z kulturą światową, nowoczesny mężczyzna nie marnuje wysiłków, aby wznieść się do jej poziomu, ale wręcz przeciwnie, stara się ją obniżyć do swojego. (ktoś mądry)

Przed wynalezieniem fotografii malarstwo było postrzegane jako narzędzie być może wyraźniejszego odzwierciedlenia otoczenia. Malarstwo uważano za tym lepsze, im wiarygodniej się przedstawiało prawdziwy świat. Wraz z pojawieniem się fotografii w 1839 r. i kina w 1895 r. świadomość malarska znacznie się rozwinęła, choć inni nadal zajmują się obecnie wąsko funkcjonalnym biznesem.

Jaka jest różnica między zdjęciem a obrazem?

Bato Dugarzhapov „Boże Narodzenie”.

Zdjęcie utrwala dla nas chwilę, czyli bardzo konkretny, chwilowy stan przedmiotu. Malarz, niezależnie od tego, jak starannie i wiarygodnie rozpisał szczegóły, najpierw pisze OGÓLNE, które widzi w modelu, czyli najbardziej osobliwe i wyraziste.

Zatem zdjęcie (z wyjątkiem bardzo nielicznych dzieł fotoartystów) jest ilustracją przypominającą obraz w encyklopedii: tak wygląda wiewiórka, dzieciaki, a tak wyglądała właścicielka albumu fotograficznego 20 lat temu, kiedy kąpał się w wannie.

Bato Dugarzhapov „Krym”.

Współczesny malarz nie zgodził się na kopiowanie natury – dzięki fotografii i filmowaniu będzie to jeszcze lepsze i szybsze. Naturalizm spycha malarstwo w ślepy zaułek powtórzeń i banału. Poza tym natury nie da się odtworzyć. Gdy odbiorca zaakceptuje jedynie najbardziej powierzchowne niuanse obrazu – przekaz informacji „gdzie co stało”, wówczas świadomość obrazu będzie bardzo wyczerpana i zniekształcona.

Obraz zasadniczo różni się od zdjęcia nieidentycznością tego, co zostało zrobione, i to stało się podstawową różnicą między kolorowym a obraz fotograficzny. Malarz z własnej woli decyduje, co i jak pozostawić, co i jak uwypuklić, co wykluczyć z obrazu, czasem nawet wbrew powierzchownemu zdrowemu rozsądkowi.

Bato Dugarzhapov „Taras”.

Kolorowy obraz na płótnie pretenduje do miana pełnego i uniwersalnego w ukazaniu namalowanego przedmiotu i przekazaniu z nim związanych wspomnień. W niezrozumiały sposób na płaskim płótnie pojawia się objętość, żywa i piękny świat wykonane przez artystę.

Możemy wejść w obraz i usłyszeć śpiew ptaków, poczuć zapach kwitnącej łąki, poczuć ciepło podgrzewanej przez słońce wody, zobaczyć ruch – wyraźnie zdając sobie sprawę, że to wszystko dzieje się wyłącznie w naszej głowie i na naszych oczach, oraz że to wszystko zostało nam dane przez Stwórcę.

Co to jest „alla prima”?

Bato Dugarzhapov „Poranek”.

Jeśli wcześniej mile widziano jubilerski sposób zapisywania szczegółów w najdrobniejszych szczegółach, gdy obraz malowano miesiącami, a nawet latami, a następnie pieczołowicie lakierowano, to w XIX-XX wieku pojawiło się pojęcie „alla prima” - od łacińskie „all prima vista” (na 1 spojrzenie) i oznacza spontaniczne malowanie farbą impasto.

Obraz jest gotowy już po pierwszej sesji. Farby najczęściej miesza się w skali, gdzie wydają się świeże i świetliste. Jest to bardzo odpowiednia metoda pracy podczas pisania na świeżym powietrzu.

Pastoczność objawia się reliefem, wypukłością jasnej warstwy, plastikowym pociągnięciem pędzla i służy podkreśleniu materialnej strony przedmiotu i nadaniu dynamiki. Obrazy są bardziej obszerne i pouczające niż zdjęcia, potrafią zmysłowo oddziaływać na odbiorcę lokalnymi plamami barwnymi, bez zbędnych objaśnień i doprecyzowywania szczegółów. Od czasu do czasu nawet z powodu braku tej konkretyzacji.

Bato Dugarzhapov „Południe. Łodzie.

Na pierwszy rzut oka naprzemienność pozornie chaotycznych pociągnięć i jasnych plam jest znacznie bardziej emocjonalna niż zdjęcie, a starożytny, dopracowany sposób oddaje ruch - grę plam słonecznych na trawie, odblaski na wodzie, kołysanie liści itp.

Niestety, widz zupełnie dziki w sensie barwnej kultury, obejrzawszy dzieła alla prima, zapisane zamaszystymi kreskami i paskami, nie zada sobie trudu, aby zwolnić i spojrzeć, ale nadyma policzki i z słowami „Ja też mogę to tak posmarować” ze świadomością własnej korzyści idzie dalej w poszukiwaniu kreacji lakierowanych i kręconych, gdzie nie jest potrzebna wyobraźnia i empatia.

Puśćmy go, a później zobaczymy na przykład obraz artysty Bato Dugarzhapova „Plein Air”. Co widzimy na tym fascynującym obrazie?

Plener Bato Dugarzhapova.

Ci, którzy chcą zobaczyć, jak szyte są buty bohaterów - nic. Widz, dostrojony do fali świadomości, najpierw widzi wiele światło słoneczne. Następnie przy sztalugach widzimy kilku artystów w letnich sukienkach oraz brodatego artystę w dżinsach iz pędzlami w dłoni. Następnie znajduje się ciepły kamienny mur z krętymi glicyniami oświetlonymi przez słońce nad nimi, niebieskie niebo w szczelinach listowia, balustradzie nasypu i morzu za nim. Dlatego liście nie są zapisane w szczegółach i żyłach, poruszają się, kołyszą, a światło również się porusza, poruszają się cienie, a odbicie od morza w oddali zmienia się co minutę…

Nastrój obrazu jest absolutnie fenomenalny, po prostu emanuje światłem i pozytywem. A jednocześnie nie da się wskazać wskaźnikiem i wyjaśnić – to jest to, a tu coś. Wystarczy to zobaczyć, oddalając się nieco od obrazu i patrząc na niego przez dość długi czas. Jednocześnie jest to tylko plik, sam sobie wyobrażam - jak powinien działać w oryginale!

Bato Dugarzhapov „Szkice”.

Podobnie obraz „O studiach” „manifestuje się”. Na początku chaotyczne plamy światła słonecznego i odbicia morza. Następnie - siwowłosy malarz pochylił się nad sztalugą. Potem - samo morze: ziejące morze, porusza się, martwi, blask słońca od fal faktycznie oślepia oczy (jak to jest zrobione - nierealne do zrozumienia), w morzu - góry, kamyki i łodzie, na znowu zostawiłem roślinę pnącą, może winogrona.

Nie do opisania oddana jest atmosfera gorącego poranka (a to jest poranek, bo gdy słońce jest wysoko, morze tak nie błyszczy, tylko robi się błękitne), piękno Południowe wybrzeże i podziwiać to piękno.

Bato Dugarzhapov „Wieczór południowy”

Obrazy Bato Dugarzhapova zanurzone są w niezwykłym świetlistym otoczeniu, co świadczy o najwyższej kulturze kolorowej artysty, o wąskiej świadomości koloru i relacji przestrzennych. Jego prace wyróżniają się świeżością, szybkością rytmu linii i plam barwnych, romantycznym uniesieniem i wąskim postrzeganiem proporcji światła do przestrzeni.

Ze szczególną łatwością, dużymi pociągnięciami, tworzy pełny, integralny obraz natury pod względem koloru, światła i rzeczywistej dynamiki ... wszystko błyszczy w promieniach słońca, nawet tam, gdzie jest cień, odbicia błyszczą, co jest szczególnie uderzające i zabawne. Swobodnie rzucone kolory nakładają się na siebie i tworzą wielobarwną harmonię i rytm, w którym szczególne znaczenie mają przelewy barw.

Bato Dugarzhapov „Jezioro Como”.

Bato Dugarzhapov urodził się w 1966 roku w Czycie. ukończył Szkoła Artystyczna w Tomsku oraz Metropolitalny Miejski Akademicki Instytut Sztuki. W I. Surikow. Prace artysty znajdują się w kolekcjach prywatnych w Rosji, USA, Francji, Włoszech i Hiszpanii.

K. Yu Starokhamskaya

Dla wielu przypomnienie artystów i ich obrazów wydaje się zadaniem niemożliwym. Przez setki lat historia zapisała nazwiska wielu artystów, których nazwiska są powszechnie znane, w przeciwieństwie do obrazów. Jak zapamiętać specyfikę artysty i jego styl? Przygotowaliśmy krótki opis Dla tych, którzy chcą zrozumieć sztuki piękne: