क्लासिकवाद के युग की संगीत शैलियाँ। शास्त्रीय युग का ओपेरा और वाद्य संगीत

संगीत में "शास्त्रीय" शब्द का प्रयोग मुख्यतः गंभीर, कला संगीत, अर्थात। वह संगीत जो लोक, लोकप्रिय, जैज़, रॉक आदि नहीं है। लेकिन संगीत के इतिहास में एक "शास्त्रीय" काल भी है, जिसे क्लासिकिज़्म कहा जाता है।

क्लासिकिज्म का युग - क्लासिकिज्म, जिसने कई चरणों के माध्यम से पुनर्जागरण का स्थान लिया, ने 17 वीं शताब्दी के अंत में फ्रांस में आकार लिया, जो इसकी कला में एक गंभीर बदलाव को दर्शाता है। पूर्णतया राजशाही, आंशिक रूप से विश्वदृष्टिकोण में धार्मिक से धर्मनिरपेक्ष में परिवर्तन। में XVIII सदीविकास का एक नया दौर शुरू हो गया है सार्वजनिक चेतना-ज्ञानोदय का युग आ गया है। क्लासिकवाद के तत्काल पूर्ववर्ती, बारोक की धूमधाम और धूमधाम को सादगी और स्वाभाविकता पर आधारित शैली द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था। क्लासिकिज़्म की कला कारण के पंथ पर आधारित है - तर्कवाद, सद्भाव और तर्क। मूल रूप से "क्लासिकिज्म" नाम शब्द से जुड़ा है लैटिन भाषा- क्लासिकस, जिसका अर्थ है "अनुकरणीय"। इस प्रवृत्ति के कलाकारों के लिए आदर्श मॉडल अपने सामंजस्यपूर्ण तर्क और सामंजस्य के साथ प्राचीन सौंदर्यशास्त्र था। क्लासिकिज़्म में, तर्क भावनाओं पर हावी होता है, व्यक्तिवाद का स्वागत नहीं किया जाता है, और किसी भी घटना में, सामान्य, टाइपोलॉजिकल विशेषताएं सर्वोपरि महत्व प्राप्त कर लेती हैं। कला का प्रत्येक कार्य सख्त सिद्धांतों के अनुसार बनाया जाना चाहिए। क्लासिकवाद के युग की आवश्यकता सभी अनावश्यक और गौण चीजों को छोड़कर, अनुपात का संतुलन है। क्लासिकिज़्म को "उच्च" और "निम्न" शैलियों में सख्त विभाजन की विशेषता है। "उच्च" कार्य वे कार्य हैं जो प्राचीन और को संदर्भित करते हैं धार्मिक विषयगंभीर भाषा में लिखा गया (त्रासदी, भजन, स्तोत्र)। और "निम्न" शैलियाँ वे कार्य हैं जो स्थानीय भाषा में प्रस्तुत किए जाते हैं और लोक जीवन (कथा, हास्य) को दर्शाते हैं। शैलियों का मिश्रण अस्वीकार्य था।

संगीत में शास्त्रीयता - वियना क्लासिक्स

में एक नई संगीत संस्कृति का विकास 18वीं सदी के मध्यसदी ने कई निजी सैलून, संगीत समितियों और आर्केस्ट्रा के उद्भव को जन्म दिया, जो खुले संगीत कार्यक्रम और ओपेरा प्रदर्शन आयोजित करते थे। उन दिनों संगीत जगत की राजधानी वियना थी। क्लासिकिज़्म के सबसे प्रतिभाशाली संगीतकार महान ऑस्ट्रियाई थे - जोसेफ हेडनऔर वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट। हेडन ने शानदार कोरल, ओपेरा, आर्केस्ट्रा और वाद्य संगीत बनाया, लेकिन उनकी सबसे बड़ी उपलब्धि उनकी सिम्फनी थी, जिसमें से उन्होंने सौ से अधिक लिखे।

मोजार्ट हर समय का सबसे प्रतिभाशाली संगीतकार है। छोटा सा जीवन जीने के बाद, उन्होंने एक अविश्वसनीय जीवन छोड़ दिया संगीत विरासत(उदाहरण के लिए, 41 सिम्फनीज़)। ओपेरा को उनकी सबसे बड़ी उपलब्धि माना जाता है, जिसमें उन्होंने खुद को एक महान संगीतकार और संगीतकार दोनों के रूप में दिखाया प्रतिभाशाली नाटककारउनके कुछ सबसे खूबसूरत ओपेरा डॉन जियोवानी, द मैरिज ऑफ फिगारो और द मैजिक फ्लूट हैं।

अठारहवीं शताब्दी के अंत में एक और तारा उदय हुआ शास्त्रीय संगीत- लुडविग वान बीथोवेन, संगीतकार जिन्होंने मोजार्ट और हेडन से विरासत में मिली शास्त्रीय शैली में संगीत रचना शुरू की, लेकिन अंततः इससे आगे निकल गए और सचमुच अलग हो गए। शास्त्रीय शैली, भोर को चिह्नित करना नया युगजिसे संगीत में रोमांटिक काल के रूप में जाना जाता है।
जोसेफ हेडन, वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट और लुडविग वान बीथोवेन तीन महान नाम हैं जो इतिहास में विनीज़ क्लासिक्स के रूप में दर्ज हो गए हैं। विनीज़ स्कूल के संगीतकारों ने संगीत की विभिन्न शैलियों में महारत हासिल की - रोजमर्रा के गीतों से लेकर सिम्फनी तक। उच्च शैलीसंगीत, जिसमें समृद्ध आलंकारिक सामग्री सरल लेकिन परिपूर्ण रूप में सन्निहित है कलात्मक रूप, - यह विनीज़ क्लासिक्स के काम की मुख्य विशेषता है। क्लासिकिज्म की संगीत संस्कृति, साहित्य की तरह, ललित कला की तरह, मनुष्य के कार्यों, उसकी भावनाओं और भावनाओं का महिमामंडन करती है, जिस पर तर्क हावी होता है। रचनात्मक कलाकारों को उनके कार्यों में तार्किक सोच, सामंजस्य और रूप की स्पष्टता की विशेषता होती है। विनीज़ क्लासिक्स में से प्रत्येक का एक उज्ज्वल, अद्वितीय व्यक्तित्व था। हेडन और बीथोवेन का रुझान वाद्य संगीत - सोनाटा, कॉन्सर्टो और सिम्फनी की ओर अधिक था। मोज़ार्ट हर चीज़ में सार्वभौमिक था - उसने किसी भी शैली में आसानी से रचना की। ओपेरा के विकास, इसके विभिन्न प्रकारों के निर्माण और सुधार पर उनका बहुत बड़ा प्रभाव था - ओपेरा बफ़ा से लेकर संगीत नाटक तक। कुछ आलंकारिक क्षेत्रों के लिए संगीतकारों की प्राथमिकताओं के संदर्भ में, हेडन वस्तुनिष्ठ लोक-शैली के रेखाचित्रों, देहातीवाद, वीरता के लिए अधिक विशिष्ट है; बीथोवेन वीरता और नाटक के साथ-साथ दर्शन के करीब है, और निश्चित रूप से, प्रकृति और एक छोटे से सीमा, परिष्कृत गीतकारिता। मोज़ार्ट ने, शायद, सभी मौजूदा आलंकारिक क्षेत्रों को कवर किया।

हेडन. सिम्फनी नंबर 45.

संगीत शास्त्रीयता की शैलियाँ

क्लासिकवाद की संगीत संस्कृति वाद्य संगीत की कई शैलियों के निर्माण से जुड़ी है - जैसे सोनाटा, सिम्फनी, संगीत कार्यक्रम। क्लासिकवाद के युग में, मुख्य प्रकार के कक्ष पहनावा उभरे - तिकड़ी और स्ट्रिंग चौकड़ी। विनीज़ स्कूल द्वारा विकसित प्रपत्रों की प्रणाली आज भी प्रासंगिक है। सोनाटा शैली 17वीं शताब्दी की शुरुआत में अस्तित्व में थी, लेकिन अंततः इसका गठन हुआ सोनाटा फॉर्महेडन, मोजार्ट, बीथोवेन के कार्यों में।

मोजार्ट. पियानो कॉन्सर्टो नंबर 13.

बीथोवेन. वायलिन और पियानो के लिए सोनाटा नंबर 5 op.24

शास्त्रीय युगवह समय था जब संगीतकारों ने संगीत में लालित्य की भावना का परिचय दिया। शांति और विश्राम लाने वाला यह स्पष्ट और शुद्ध संगीत वास्तव में बहुत गहरा है और नाटकीय मूल और मार्मिक भावनाओं को प्रकट कर सकता है।

विभिन्न स्रोतों से पाठ.

संगीत कला में शास्त्रीयता का युग आता है 18वीं शताब्दी का दूसरा भाग , जो मेल खाता है आत्मज्ञान की उम्रसामाजिक और दार्शनिक विचार के विकास में।

प्रबुद्ध विश्वदृष्टि ने तीसरी संपत्ति - पूंजीपति वर्ग के हितों को प्रतिबिंबित किया, जो पहले दो संपत्तियों - पादरी और कुलीन अभिजात वर्ग के विरोध में था। न तो चर्च के अधिकार और न ही कुलीन राज्य की शक्ति को मनुष्य के प्राकृतिक विकास में हस्तक्षेप करना चाहिए या उसे किसी भी अधिकार और स्वतंत्रता में सीमित नहीं करना चाहिए।

तदनुसार, प्रबोधन इन विचारों पर आधारित था:

1) तर्कवाद(दुनिया की धार्मिक व्याख्या के खिलाफ विरोध, विश्वास मानव मस्तिष्क, यानी, एक व्यक्ति की अपने मन के दृष्टिकोण से दुनिया और खुद दोनों को समझाने की क्षमता)

2) सामाजिक समानता(अभिजात वर्ग के वर्चस्व का विरोध, समाज की न्यायसंगत संरचना की संभावना में विश्वास)

(प्रबोधन के परिणामों में से एक परिणामस्वरूप समाज की राजनीतिक संरचना को बदलने का प्रयास था महान फ्रांसीसी क्रांति (1789),जिसका आदर्श वाक्य था "स्वतंत्रता, समानता, बंधुत्व")।

प्रबोधन के विचारों ने संस्कृति सहित जीवन के सभी क्षेत्रों पर चर्च और अभिजात वर्ग के प्रभाव को बहुत हिला दिया। कला.

चर्च कला (बारोक युग के विपरीत) अग्रणी पदों पर कब्ज़ा करना बंद कर देती है। ये कार्य धर्मनिरपेक्ष कला द्वारा ग्रहण किए जाते हैं, जो अब केवल अभिजात वर्ग का मनोरंजन नहीं रह सकता है।

पहली बार, प्रबुद्धता युग में धर्मनिरपेक्ष कला को गंभीर, सख्ती से शैक्षिक कार्य दिए गए थे: उच्च नैतिक मूल्यों को शामिल करना, मनुष्य और दुनिया के सुधार में योगदान देना (यानी, लोगों की शिक्षा और एक उचित, निष्पक्ष की उपलब्धि) समाज की संरचना)।

तदनुसार, सभी धर्मनिरपेक्ष शैलियों - स्वर और वाद्य दोनों में संगीत की कला में परिवर्तन हो रहे हैं।

ओपेराक्लासिकवाद के युग में.

17वीं शताब्दी के बाद से ओपेरा धर्मनिरपेक्ष संगीत की सबसे बड़ी और सबसे प्रभावशाली शैली रही है। बारोक युग के अंत में, यह संकट के दौर में प्रवेश कर गया, ओपेरा सेरिया ("गंभीर" ओपेरा, जो प्रतिध्वनित हुआ) से बदल गया प्राचीन त्रासदी) एक "पोशाक संगीत कार्यक्रम" में - अभिजात वर्ग के लिए एक महंगा मनोरंजन कार्यक्रम, जो केवल गायकों के गुणी कौशल (तत्कालीन मंच के "सितारे") और उत्पादन प्रभावों के परिष्कार से आकर्षित हुए थे।

ज्ञानोदय के युग ने ओपेरा प्रदर्शन की सामग्री और रूप में महत्वपूर्ण बदलाव लाए, जो आधुनिक जनता की पसंद के अनुरूप थे।

मुख्य परिवर्तन:

- कॉमिक ओपेरा शैली का उद्भव

- ग्लुक का ओपेरा सुधार

कॉमिक ओपेरा 18वीं सदी के मध्य में इटली में दिखाई देता है (पहला उदाहरण पेर्गोलेसी की "मेड-मैडम", 1733) है, साथ ही फ्रांस, जर्मनी, इंग्लैंड और अन्य देशों में अलग-अलग नामों से है। (इटली में - ओपेरा बफ़ा, फ्रांस में - ओपेरा कॉमिक, जर्मनी में - सिंगस्पिल)। की कहानियों पर लिखा आधुनिक जीवन-ग्रामीण या शहरी. इसमें अक्सर व्यंग्यात्मक रूपांकन और सामाजिक बुराइयों को उजागर करने वाले तत्व शामिल होते थे। मैं कार्रवाई के तीव्र विकास से मंत्रमुग्ध हो गया। जैसा पात्र(अभिजात वर्ग के "गंभीर" ओपेरा के प्राचीन पात्रों के विपरीत) को मंच पर लाया गया आम लोग, तीसरी संपत्ति के प्रतिनिधि (किसान, नौकर, आदि)। वे गुरुओं की तुलना में सकारात्मक नायक, अधिक चतुर, दयालु और अधिक साधन संपन्न निकले। साथ ही, अभिजात वर्ग और पादरी की छवियों की व्याख्या पैरोडी तरीके से की गई।

कॉमिक ओपेरा का संगीत सरल था। साधारण अरिया लोकगीतों की शैली के करीब थे। उन्होंने बोले गए संवादों के साथ बारी-बारी से काम किया (इतालवी ओपेरा बफ़ा में - सस्वर पाठ के साथ)।

कॉमिक ओपेरा बहुत लोकप्रिय थे और उन्होंने लोकतंत्रीकरण में योगदान दिया ओपेरा शैली, समाज के व्यापक वर्गों में इसका प्रसार। लेकिन वे ज्ञानोदय के युग (लोगों और समाज के सुधार को बढ़ावा देने के लिए) द्वारा कला के समक्ष प्रस्तुत सभी गंभीर कार्यों को हल नहीं कर सके। इस बार अनुरोध का उत्तर दिया गया ग्लुक द्वारा संगीत नाटक।

ग्लुक का ऑपरेटिव सुधार 60 के दशक में किया गया था। 18 वीं सदी गड़बड़ - ऑस्ट्रियाई संगीतकार, जिन्होंने इटली में ओपेरा सेरिया (प्राचीन विषयों पर आधारित "गंभीर" ओपेरा) की रचना करने की कला का अध्ययन किया। वियना कोर्ट ओपेरा हाउस में सेवा करते समय, उनका इस शैली की संभावनाओं से मोहभंग हो गया, जिसने बाहरी दिखावटीपन (गायन की उत्कृष्टता और दृश्यों की भव्यता) के पक्ष में अपनी गंभीरता खो दी है और एक "पोशाक संगीत कार्यक्रम" में बदल गया है। फ्रेंच कॉमिक ओपेरा और यहां तक ​​कि बैले की शैली में काम करने के बाद, ग्लुक को यह विचार आया कि गहरी सामग्री के साथ गंभीर ओपेरा मौजूद होना चाहिए, लेकिन इसकी कमियों के बिना। इस प्रकार ओपेरा सुधार का विचार उत्पन्न हुआ।

सुधार ग्लक द्वारा (लिब्रेटिस्ट कैलज़ाबिगी के साथ) ओपेरा ऑर्फियस (1762) और उसके बाद के पांच ओपेरा में किया गया था। वियना और पेरिस में मंचन करके उन्होंने गरमागरम बहस छेड़ दी, जो ग्लुक की जीत में समाप्त हुई।

संगीतकार ने स्वयं अपने सुधार के विचार और सिद्धांतों को तैयार किया (दूसरे सुधार ओपेरा अल्सेस्टे की प्रस्तावना में)।

विचार:

- संगीत को नाटक के साथ जोड़ना, संगीत को उसके मुख्य उद्देश्य की ओर लौटाना - एक सार्थक काव्य पाठ की अभिव्यक्ति को बढ़ाना,

सिद्धांतों:

आधुनिक रुचि के अनुरूप विरूपण के बिना, प्राचीन विषयों का उनके मूल रूप में उपयोग

किसी भी संगीत संख्या (अरिया, गायन, बैले एपिसोड) का परिचय केवल तभी करें जब वे नाटकीयता द्वारा उचित हों

व्यक्तिगत संगीत संख्याओं (पाठ, अरिया, गायन) को निरंतर दृश्यों में संयोजित करना नाटकीय विकास

पाठ के अनुरूप इसकी भावनात्मक अभिव्यक्ति को बढ़ाने के लिए एक स्वर की धुन को गुणात्मक अतिरेक से मुक्त करना

ओवरचर्स का निर्माण (ओपेरा के लिए आर्केस्ट्रा परिचय), जिसका संगीत, अपनी प्रकृति से, ओपेरा के कथानक की धारणा के लिए तैयार करता है।

ग्लक को संगीत और नाटक के संयोजन के अपने विचार का एहसास हुआ, इसलिए उनके सुधार ओपेरा ने नाम के तहत संगीत के इतिहास में प्रवेश किया ग्लुक द्वारा संगीत नाटक.

शास्त्रीय युग का वाद्य संगीत.

बरोक युग की तुलना में विकास में गुणात्मक छलांग लगाई, जिसका श्रेय काफी हद तक रचनात्मकता को जाता है विनीज़ क्लासिक्स- हेडन, मोजार्ट, बीथोवेन।

क्लासिकवाद के युग के वाद्य संगीत में मुख्य उपलब्धि: उत्तम अभिजात्य मनोरंजन से, ध्वनि की सुंदरता का आनंद लेते हुए, यह संगीतकारों के दार्शनिक विचारों के अवतार में, मनुष्य और दुनिया पर उनके विचारों की अभिव्यक्ति में बदल गया। अर्थात्, वाद्य कार्यों की सामग्री उस समय से ओपेरा और ओटोरियोस की सामग्री के समान हो गई, लेकिन इसे शब्दों की मदद के बिना व्यक्त किया गया था। इसका मतलब यह था कि कथा का वास्तविक संगीत तर्क विकसित हो गया था, संगीत-नाटकीय और मंचीय कार्यों के साथ-साथ विशुद्ध रूप से रचना करने का अवसर पैदा हुआ था वाद्य नाटक.

यह कैसे संभव हुआ?

क्लासिकवाद के युग में निम्नलिखित का गठन किया गया:

- शास्त्रीय वाद्य रचनाएँ(सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा, स्ट्रिंग चौकड़ी, पियानो प्रमुख एकल वाद्ययंत्र के रूप में)

- शास्त्रीय वाद्य शैलियाँ: सिम्फनी (ऑर्केस्ट्रा के लिए), कंसर्टो (ऑर्केस्ट्रा के साथ एकल वाद्ययंत्र के लिए), सोनाटा (एकल वाद्ययंत्र के लिए, मुख्य रूप से पियानो), चौकड़ी (स्ट्रिंग चौकड़ी के लिए)

- क्लासिक आकार : सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र(3 बजे सोनाटा के रूप में, 3 बजे कंसर्टो, 4 बजे सिम्फनी, 4 बजे चौकड़ी), सोनाटा फॉर्म(सोनाटा, कंसर्टो, चौकड़ी, सिम्फनी के पहले भाग के रूप में)।

सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र(पूर्ण संस्करण में) में 4 घंटे होते हैं:

1 घंटा तेज़; 2 घंटे धीमी; 3 घंटे का नृत्य या खेल (मिनुएट या शेरज़ो); 4 घंटे का त्वरित समापन। यह सिद्धांत भी लागू करता है अंतर, और सिद्धांत विकास.

सिम्फनी या सोनाटा की संरचना केवल एक निश्चित संरचना नहीं है। प्रत्येक भाग का संगीत एक निश्चित अर्थ के वाहक के रूप में कार्य करता है।

भाग 1 और 2 में मानव "मैं" की दो प्रकार की अनुभूति शामिल है: क्रिया और चिंतन।

भाग 1 का प्रतीक है कार्रवाई।वह में लिखा है सोनाटा फॉर्म, जिसमें तीन आवश्यक अनुभाग शामिल हैं:

1) प्रदर्शनी - विपरीत संगीतमय छवियाँ दिखाना (कम से कम दो),

2) विपरीत विषयों के विकास और चरमोत्कर्ष की उपलब्धि के लिए समर्पित विकास

3) पुनरावृत्ति - कंट्रास्ट को सुचारू करने, विपरीत छवियों को एकता में लाने से जुड़े अनिवार्य परिवर्तनों के साथ एक्सपोज़र की पुनरावृत्ति।

जैसा कि आप देख सकते हैं, सोनाटा रूप शास्त्रीय नाटकीय योजना (संघर्ष का प्रदर्शन - विकास और संघर्ष की परिणति - संघर्ष का समाधान) का संगीतमय अवतार है, जिसने वाद्य संगीत को प्रभावित किया नाटकीय नाटकीयता(ओपेरा के माध्यम से)।

भाग 2 का प्रतीक है चिंतन- यह भावनाओं और विचारों का क्षेत्र है।

भाग 3, सामूहिक नृत्य की गति के माध्यम से, अब किसी एक व्यक्ति को नहीं, बल्कि उसके आसपास की दुनिया को दर्शाता है - जीवन के तत्व, लोगों और घटनाओं का चक्र।

भाग 4 (अंतिम) पिछली हर चीज़ का परिणाम है, मनुष्य और दुनिया के बारे में, व्यक्तिगत और सामान्य के बारे में विचारों का संयोजन।

यह एक वाद्य नाटक के रूप में सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र की अर्थपूर्ण योजना है। प्रत्येक संगीतकार इसे अपने विश्वदृष्टि की विशेषताओं के अनुसार सामग्री से भरता है। इस प्रकार, मोजार्ट की आखिरी, 41वीं सिम्फनी "बृहस्पति" विरोधाभासों की एकता के रूप में दुनिया की तस्वीर का प्रतीक है ("मैं खुश हूं, अचानक - एक गंभीर दृष्टि, अचानक अंधेरा या ऐसा कुछ" - पुश्किन: "मोजार्ट और सालिएरी")। और बीथोवेन की 5वीं सिम्फनी कैप्चर करती है मानव जीवनसंघर्ष और विजय के रूप में ("अंधेरे से प्रकाश की ओर, संघर्ष से विजय की ओर")।

क्लासिकिज़्म (लैटिन क्लासिकस से - अनुकरणीय) 17वीं - 18वीं शताब्दी की कला में एक शैली है। "क्लासिकिज्म" नाम सौंदर्य पूर्णता के उच्चतम मानक के रूप में शास्त्रीय पुरातनता की अपील से आया है। क्लासिकवाद के प्रतिनिधियों ने अपने सौंदर्यवादी आदर्श को प्राचीन कला के उदाहरणों से प्राप्त किया। क्लासिकिज़्म अस्तित्व की तर्कसंगतता, प्रकृति और मनुष्य की आंतरिक दुनिया में व्यवस्था और सामंजस्य की उपस्थिति में विश्वास पर आधारित था। क्लासिकिज़्म के सौंदर्यशास्त्र में अनिवार्य सख्त नियमों का एक योग शामिल है जो कला के एक काम को पूरा करना होगा। उनमें से सबसे महत्वपूर्ण हैं सौंदर्य और सच्चाई के संतुलन, तार्किक स्पष्टता, सामंजस्य और रचना की पूर्णता, सख्त अनुपात और शैलियों के बीच स्पष्ट अंतर की आवश्यकता।

क्लासिकिज़्म के विकास में 2 चरण हैं:

17वीं शताब्दी का शास्त्रीयवाद, जो आंशिक रूप से बारोक कला के खिलाफ लड़ाई में, आंशिक रूप से इसके साथ बातचीत में विकसित हुआ।

18वीं सदी का ज्ञानोदय क्लासिकवाद।

17वीं शताब्दी का शास्त्रीयवाद कई मायनों में बारोक का विरोधी है। इसकी सबसे पूर्ण अभिव्यक्ति फ्रांस में होती है। यह पूर्ण राजशाही का उत्कर्ष काल था, जिसने दरबारी कला को सर्वोच्च संरक्षण प्रदान किया और उससे धूमधाम और वैभव की मांग की। नाट्य कला के क्षेत्र में फ्रांसीसी क्लासिकिज्म का शिखर कॉर्निले और रैसीन की त्रासदियों के साथ-साथ मोलिरे की कॉमेडी थी, जिनके काम पर लूली ने भरोसा किया था। उनकी "गीतात्मक त्रासदियों" में क्लासिकवाद (निर्माण का सख्त तर्क, वीरता, निरंतर चरित्र) के प्रभाव का निशान है, हालांकि उनमें बारोक विशेषताएं भी हैं - उनके ओपेरा की धूमधाम, नृत्यों, जुलूसों और गायन की प्रचुरता।

18वीं शताब्दी का क्लासिकवाद ज्ञानोदय के युग के साथ मेल खाता था। ज्ञानोदय दर्शन, साहित्य और कला में एक व्यापक आंदोलन है जिसने सभी यूरोपीय देशों को कवर किया। "ज्ञानोदय" नाम को इस तथ्य से समझाया गया है कि इस युग के दार्शनिकों (वोल्टेयर, डाइडेरोट, रूसो) ने अपने साथी नागरिकों को प्रबुद्ध करने की कोशिश की, मानव समाज की संरचना, मानव स्वभाव और उसके अधिकारों के मुद्दों को हल करने का प्रयास किया। प्रबुद्धजन मानव मन की सर्वशक्तिमत्ता के विचार से आगे बढ़े। मनुष्य के मन में विश्वास, प्रबुद्धता के आंकड़ों के विचारों में निहित उज्ज्वल, आशावादी दृष्टिकोण को निर्धारित करता है।

ओपेरा संगीत और सौंदर्य संबंधी बहस के केंद्र में है। फ्रांसीसी विश्वकोशकारों ने इसे एक ऐसी शैली माना जिसमें प्राचीन रंगमंच में मौजूद कलाओं के संश्लेषण को बहाल किया जाना चाहिए। इस विचार ने के.वी. के ओपेरा सुधार का आधार बनाया। ग्लक.

शैक्षिक क्लासिकिज्म की महान उपलब्धि सिम्फनी (सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र) और सोनाटा फॉर्म की शैली का निर्माण है, जो मैनहेम स्कूल के संगीतकारों के काम से जुड़ा हुआ है। मैनहेम स्कूल 18वीं शताब्दी के मध्य में कोर्ट चैपल के आधार पर मैनहेम (जर्मनी) में विकसित हुआ, जिसमें मुख्य रूप से चेक संगीतकारों ने काम किया (सबसे बड़ा प्रतिनिधि चेक जान स्टैमिट्ज़ था)। मैनहेम स्कूल के संगीतकारों के काम में, सिम्फनी की 4-आंदोलन संरचना और ऑर्केस्ट्रा की शास्त्रीय रचना स्थापित की गई थी।

मैनहेम स्कूल वियना स्कूल का पूर्ववर्ती बन गया शास्त्रीय विद्यालय- हेडन, मोजार्ट, बीथोवेन के काम को दर्शाने वाला एक संगीत निर्देशन। विनीज़ क्लासिक्स के काम में, सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र, जो शास्त्रीय बन गया, साथ ही चैम्बर पहनावा और संगीत कार्यक्रम की शैलियों का अंततः गठन किया गया।

वाद्य शैलियों में, विभिन्न प्रकार के रोजमर्रा के मनोरंजन संगीत विशेष रूप से लोकप्रिय थे - सेरेनेड, डायवर्टिसमेंट, शाम को बाहर बजने वाले संगीत। डायवर्टिमेंटो (फ्रांसीसी मनोरंजन) - एक चैम्बर पहनावा या ऑर्केस्ट्रा के लिए वाद्य बहु-आंदोलन कार्य, एक सोनाटा और सुइट की विशेषताओं को मिलाकर और एक सेरेनेड और नॉक्टर्न के करीब।

के. वी. ग्लुक - ओपेरा हाउस के महान सुधारक

क्रिस्टोफ़ विलीबाल्ड ग्लक (1714 - 1787) - जन्म से जर्मन (इरास्बैक (बवेरिया, जर्मनी) में पैदा हुए), फिर भी, विनीज़ शास्त्रीय स्कूल के उत्कृष्ट प्रतिनिधियों में से एक हैं।

ग्लक की सुधार गतिविधियाँ वियना और पेरिस में हुईं और क्लासिकवाद के सौंदर्यशास्त्र के अनुरूप की गईं। कुल मिलाकर, ग्लक ने लगभग 40 ओपेरा लिखे - इतालवी और फ्रेंच, बफ़ा और सेरिया, पारंपरिक और अभिनव। यह उत्तरार्द्ध का धन्यवाद था कि उन्होंने संगीत के इतिहास में एक प्रमुख स्थान हासिल किया।

ग्लक के सुधार के सिद्धांतों को ओपेरा अल्केस्टे के स्कोर की प्रस्तावना में निर्धारित किया गया है। वे निम्नलिखित तक सीमित हैं:

संगीत को ओपेरा के काव्य पाठ को व्यक्त करना चाहिए; यह नाटकीय कार्रवाई के बाहर, अपने आप मौजूद नहीं हो सकता है। इस प्रकार, ग्लक ने संगीत को नाटक के अधीन करते हुए, ओपेरा के साहित्यिक और नाटकीय आधार की भूमिका को महत्वपूर्ण रूप से बढ़ा दिया।

ओपेरा का किसी व्यक्ति पर नैतिक प्रभाव होना चाहिए, इसलिए प्राचीन विषयों को उनकी उच्च करुणा और कुलीनता ("ऑर्फ़ियस और यूरीडाइस", "पेरिस और हेलेन", "ऑलिस में इफिजेनिया") के साथ अपील की जाती है। जी. बर्लियोज़ ने ग्लक को "संगीत का एस्किलस" कहा।

ओपेरा को "कला के सभी रूपों में सुंदरता के तीन महान सिद्धांतों" - "सादगी, सच्चाई और स्वाभाविकता" का पालन करना चाहिए। ओपेरा को अत्यधिक सद्गुणता और स्वर अलंकरण (इतालवी ओपेरा में निहित), और जटिल कथानकों से छुटकारा दिलाना आवश्यक है।

अरिया और सस्वर पाठ के बीच तीव्र अंतर नहीं होना चाहिए। ग्लक ने सेको सस्वर पाठ को एक साथ वाले सस्वर पाठ से बदल दिया, जिसके परिणामस्वरूप यह एक अरिया तक पहुंच गया (पारंपरिक ओपेरा सेरिया में, सस्वर पाठ केवल संगीत कार्यक्रमों के बीच एक कड़ी के रूप में कार्य करता है)।

ग्लक भी अरियास की एक नए तरीके से व्याख्या करता है: वह कामचलाऊ स्वतंत्रता की विशेषताओं का परिचय देता है, और संगीत सामग्री के विकास को नायक की मनोवैज्ञानिक स्थिति में बदलाव के साथ जोड़ता है। एरियास, सस्वर पाठ और कोरस को बड़े नाटकीय दृश्यों में संयोजित किया जाता है।

ओवरचर को ओपेरा की सामग्री का अनुमान लगाना चाहिए और श्रोताओं को इसके वातावरण से परिचित कराना चाहिए।

बैले एक सम्मिलित संख्या नहीं होनी चाहिए जो ओपेरा की कार्रवाई से जुड़ी न हो। इसका परिचय नाटकीय कार्रवाई के अनुरूप होना चाहिए।

इनमें से अधिकांश सिद्धांत ओपेरा "ऑर्फ़ियस एंड यूरीडाइस" (1762 में प्रीमियर) में सन्निहित थे। यह ओपेरा न केवल ग्लुक के काम में, बल्कि पूरे यूरोपीय ओपेरा के इतिहास में एक नए चरण की शुरुआत का प्रतीक है। ऑर्फ़ियस के बाद उसका एक और नवोन्वेषी ओपेरा, अल्सेस्टे (1767) आया।

पेरिस में, ग्लुक ने अन्य सुधार ओपेरा लिखे: औलिस में इफिजेनिया (1774), आर्मिडा (1777), टॉरिस में इफिजेनिया (1779)। उनमें से प्रत्येक का उत्पादन पेरिस के जीवन में एक भव्य घटना में बदल गया, जिससे "ग्लकिस्ट" और "पिकिनिस्ट" - पारंपरिक समर्थकों के बीच गर्म विवाद पैदा हो गया। इटालियन ओपेरा, जिसे नियति संगीतकार निकोलो पिकिनी (1728-1800) ने साकार किया था। इस विवाद में ग्लुक की जीत को टॉरिस में उनके ओपेरा इफिजेनिया की जीत से चिह्नित किया गया था।

इस प्रकार, ग्लुक ने ओपेरा को उच्च शैक्षिक आदर्शों की कला में बदल दिया, इसे गहरी नैतिक सामग्री से भर दिया, और मंच पर वास्तविक मानवीय भावनाओं को प्रकट किया। ग्लुक के ऑपरेटिव सुधार का उनके समकालीनों और बाद की पीढ़ियों के संगीतकारों (विशेषकर विनीज़ क्लासिक्स) दोनों पर लाभकारी प्रभाव पड़ा।

№ 5 शास्त्रीय युग की संगीत शैलियाँ

शास्त्रीय काल के एकल कार्यों में सबसे महत्वपूर्ण सोनाटा थे, वे किसी भी एकल वाद्ययंत्र के लिए बनाए गए थे, लेकिन मुख्य रूप से पियानो बजाने के लिए। सिम्फनी की तरह, सोनाटा कई लोगों को एकजुट करने का एक तरीका बन गया विभिन्न प्रकार केवाद्य संगीत को एक प्रकार में बाँटना।

सामग्री संगीत रचनाएँमानवीय भावनाओं की दुनिया से जुड़े, जो मन के सख्त नियंत्रण के अधीन नहीं हैं। हालाँकि, इस युग के रचनाकारों ने किसी कृति के निर्माण के लिए नियमों की एक बहुत ही सामंजस्यपूर्ण और तार्किक प्रणाली बनाई। क्लासिकवाद के युग में, ओपेरा, सिम्फनी और सोनाटा जैसी शैलियों का गठन किया गया और पूर्णता प्राप्त की गई। सिद्धांत रूप में, चर्च शैलियों को अभी भी सबसे मूल्यवान और सम्मानित माना जाता था, लेकिन व्यवहार में थिएटर और चैम्बर संगीत की उच्चतम शैलियाँ बहुत बड़ी और अधिक महत्वपूर्ण हो गईं: संगीत नाटक और सिम्फनी।

संगीत थिएटर शैलियों का अपना पदानुक्रम होता था जो इसमें सन्निहित "प्रभावों" पर निर्भर करता था। इसलिए, "गंभीर ओपेरा" कॉमिक ओपेरा की तुलना में अधिक प्रतिष्ठित रहा। जटिल पात्रों, परिष्कृत भावनाओं और अत्यधिक विकसित संगीत रूपों के साथ कॉमिक शैलियाँ भी उच्च कॉमेडी में बदल जाती हैं।

ओपेरा ने अपना प्रभाव चर्च और वाद्य संगीत तक बढ़ाया। शैली पदानुक्रम इस प्रकार था:

उच्चतम स्तर के रूप में सिम्फनी पहले स्थान पर आई। प्रारंभिक शास्त्रीय काल में, "थिएटर" सिम्फनीज़ (यानी ओवरचर्स, जिसे "पार्टिटास" भी कहा जा सकता है) और "चैंबर" सिम्फनीज़ के बीच अंतर किया गया था। चैंबर सिम्फनी स्ट्रिंग, आर्केस्ट्रा और कॉन्सर्ट थे। स्ट्रिंग्स को उनके लेखन की परिष्कार से अलग किया गया था, क्योंकि वे पारखी लोगों के परिष्कृत कानों के लिए डिज़ाइन किए गए थे। ऑर्केस्ट्रा सिम्फनी में पवन वाद्ययंत्र भी शामिल थे। आर्केस्ट्रा संगीत मुख्यतः मनोरंजक प्रकृति का था। डायवर्टिमेंटोस, सेरेनेड और पार्टिटास एक सिम्फनी की तुलना में काफी कम थे। यहां संगीतकार शोर, ध्वनि प्रभाव और असाधारण चुटकुले बर्दाश्त कर सकता था।

अगले "कदम" पर संगीत कार्यक्रम होते हैं जो आर्केस्ट्रा-सामूहिक और एकल-व्यक्तिगत तत्व दोनों को जोड़ते हैं।

18वीं शताब्दी में सोनाटा एक व्यापक शैली समूह थे: सभी पहनावा और एकल संयोजन (कीबोर्ड सोनाटा से लेकर तिकड़ी, चौकड़ी, पंचक, आदि) सिम्फनी से एक रूप के रूप में सोनाटा को अलग करने के लिए मुख्य "नियम" थे: भागों की अनियमित संख्या (दो से चार तक, और संयोजनों में अधिक); प्रत्येक भाग को एक उपकरण के साथ निष्पादित करना;

इसके परिणामस्वरूप, सामग्री का वैयक्तिकरण और स्वतंत्र सूक्ष्म भावनाओं या अत्यधिक व्यक्तिपरक मनोदशाओं को व्यक्त करने की संभावना उत्पन्न हुई।

स्ट्रिंग पहनावा सोनाटा (चौकड़ी और तिकड़ी) ने अभूतपूर्व समृद्धि और तेजी से विकास का अनुभव किया। लोगों के एक संकीर्ण दायरे के लिए यह काम पूरी तरह से "घर का बना" होना चाहिए। यहां दो रुझान उभर रहे हैं:

शौकीनों के लिए संगीत, तकनीकी रूप से बहुत जटिल नहीं;

पारखी लोगों के लिए संगीत. संगीतकार प्रयोगात्मक सहित किसी भी तकनीक का उपयोग कर सकता है।

क्लैवियर की भागीदारी के साथ पहनावा भी थे। पियानो पार्ट को शौकिया और पेशेवर पियानोवादक दोनों द्वारा बजाया जा सकता है। दो वाद्ययंत्रों और उनकी निम्नलिखित शैली किस्मों के लिए सोनाटा और भी कम थे:

एकल वाद्य यंत्र के लिए एक प्रकार का सोनाटा, विशेषकर वायलिन, जिसमें क्लैवियर सातत्य की भूमिका निभाता है।

वायलिन, बांसुरी, सेलो की संगत के साथ क्लैवियर के लिए सोनाटा। हो सकता है कि संलग्न आवाज़ एड लिबिटम में लिखी गई हो।

क्लैवियर की भागीदारी के बिना दो समान वाद्ययंत्रों के लिए सोनाटा और युगल अधिक अंतरंग प्रकृति के थे।

सबसे नीचे पियानो लघुचित्र थे (क्लासिक्स के लिए - रोंडो, मिनुएट्स, बैगाटेल्स), लोकप्रिय विषयों पर विविधताएं, गाने, वाद्ययंत्रों के साथ आवाज के लिए लोक गीतों की व्यवस्था (हेडन, बीथोवेन); नृत्य चक्र - मिनट, देशी नृत्य, इकोसेसस - पियानो, कलाकारों की टुकड़ी और ऑर्केस्ट्रा के लिए। वे मनोरंजन भी कर रहे थे.

भौगोलिक विकास केंद्र.

प्रमुख प्रतिनिधि

संगीत थिएटर में क्लासिकिज्म के संस्थापक जे.बी. थे। लूली (गीतात्मक त्रासदी के निर्माता), क्लासिकिज़्म और बारोक की विशेषताएं ओपेरा सेरिया की शैली में संयुक्त हैं; विकास का शीर्ष चरण संगीत शास्त्रीयताविनीज़ शास्त्रीय स्कूल की कला बन गई।

वास्तविक क्रांति क्रिस्टोफ़ ग्लुक का ऑपरेटिव सुधार था। उनका रचनात्मक कार्यक्रम तीन महान सिद्धांतों पर आधारित था - सरलता, सच्चाई, स्वाभाविकता। संगीत नाटक में उन्होंने अर्थ खोजा, मिठास नहीं। ओपेरा से, ग्लक सभी अनावश्यक हटा देता है: सजावट, शानदार प्रभाव, कविता को अधिक अभिव्यंजक शक्ति देता है, और संगीत पूरी तरह से प्रकटीकरण के अधीन है भीतर की दुनियानायकों. ओपेरा ऑर्फ़ियस और यूरीडाइस पहला काम था जिसमें ग्लुक ने नए विचारों को लागू किया और ऑपरेटिव सुधार की नींव रखी। कठोरता, रूप की आनुपातिकता, दिखावटीपन के बिना महान सादगी, ग्लक के कार्यों में कलात्मक अनुपात की भावना प्राचीन मूर्तिकला के रूपों के सामंजस्य की याद दिलाती है। एरियस, सस्वर पाठ और कोरस एक बड़ी ऑपरेटिव रचना बनाते हैं।

संगीत शास्त्रीयता का उत्कर्ष 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में शुरू हुआ। इस दिशा के विकास का केंद्रीय मंच उस समय की संगीत संस्कृति की राजधानी वियना था। क्लासिकिज्म की उच्चतम अभिव्यक्ति जोसेफ हेडन, वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट, लुडविग वान बीथोवेन का काम था, जिन्होंने वियना में काम किया और संगीत संस्कृति में एक दिशा बनाई - विनीज़ शास्त्रीय स्कूल। विनीज़ क्लासिक्स की कृतियाँ जीवन प्रक्रियाओं की एक गतिशील समझ को व्यक्त करती हैं, जिसने सोनाटा रूप में अपना सबसे पूर्ण अवतार पाया और उनके कई कार्यों की सिम्फनी निर्धारित की। सिम्फनीवाद, एक व्यापक अर्थ में, युग की प्रमुख वाद्य शैलियों - सिम्फनी, सोनाटा, कंसर्टो और चैम्बर पहनावा, और 4-भाग सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र के अंतिम गठन के साथ जुड़ा हुआ है। हेडन को शास्त्रीय वाद्य संगीत का संस्थापक, आधुनिक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का संस्थापक और सिम्फनी का जनक कहा जाता है। शास्त्रीय सिम्फनी में एक आदर्श रूप पाया गया है जिसमें बहुत गहरी सामग्री हो सकती है। हेडन के काम में, शास्त्रीय तीन-आंदोलन सोनाटा का प्रकार भी स्थापित किया गया है। संगीतकार की कृतियों में सुंदरता, व्यवस्था, सूक्ष्म और महान सादगी की विशेषता है। मोजार्ट की सिम्फोनिक और चैम्बर शैली के निर्माण पर हेडन की कला का जबरदस्त प्रभाव पड़ा। सोनाटा-सिम्फोनिक संगीत के क्षेत्र में अपनी उपलब्धियों के आधार पर, मोजार्ट ने कई नई और मौलिक चीजों का योगदान दिया। उनके ओपेरा महान कलात्मक मूल्य के हैं। अब दो शताब्दियों से, द मैरिज ऑफ फिगारो और डॉन जियोवानी ने अपनी आकर्षक सुंदर धुन, सादगी और शानदार सामंजस्य के साथ सफलता का आनंद लिया है। मोजार्ट के ओपेरा कार्य ने विभिन्न प्रकार के ओपेरा के विकास के लिए व्यापक संभावनाएं खोलीं - गीतात्मक और सामाजिक रूप से आरोप लगाने वाली कॉमेडी, संगीत नाटक, दार्शनिक परी कथा ओपेरा और अन्य।

बीथोवेन महानतम सिम्फनीवादक के रूप में प्रसिद्ध हुए। उनकी कला संघर्ष की करुणा से ओत-प्रोत है। यह रूपांतरित हो गया उन्नत विचारज्ञानोदय का युग, जिसने मानव व्यक्ति के अधिकारों और सम्मान की स्थापना की। बीथोवेन की छवियों की दुनिया विविध है। उनका नायक न केवल बहादुर और भावुक है, वह सूक्ष्म रूप से विकसित बुद्धि से संपन्न है। वह एक लड़ाकू और विचारक हैं।' बीथोवेन के संगीत में, जीवन अपनी सारी विविधता में - हिंसक जुनून और अलग दिवास्वप्न, नाटकीय करुणा और गीतात्मक स्वीकारोक्ति, प्रकृति की तस्वीरें और रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्य। क्लासिकवाद के युग को समाप्त करके, बीथोवेन ने आने वाली सदी के लिए रास्ता खोल दिया, जिससे एक नए युग की शुरुआत हुई जिसे संगीत में रोमांटिक काल के रूप में जाना जाता है।

№ 5 यथार्थवाद???

मध्यकालीन संगीत.मध्य युग के दौरान, यूरोप में एक संगीत संस्कृति उभरी, जिसमें पेशेवर कला, शौकिया संगीत-निर्माण और लोकगीत शामिल थे। चूंकि चर्च आध्यात्मिक जीवन के सभी क्षेत्रों पर हावी है, इसलिए इसका आधार पेशेवर है संगीत कलाचर्चों और मठों में संगीतकारों की गतिविधियों का गठन करता है। धर्मनिरपेक्ष पेशेवर कला का प्रतिनिधित्व शुरू में केवल गायकों द्वारा निर्माण और प्रदर्शन द्वारा किया जाता है महाकाव्य कहानियाँदरबार में, कुलीनों के घरों में, योद्धाओं आदि के बीच (बार्ड, स्काल्ड, आदि)। समय के साथ, शूरवीरता के संगीत-निर्माण के शौकिया और अर्ध-पेशेवर रूप विकसित हुए: फ्रांस में - ट्रौबैडोर्स और ट्रौवेरेस की कला (एडम डे ला हाले, XIII सदी), जर्मनी में - मिनेसिंगर्स (वोल्फ्राम वॉन एसचेनबैक, वाल्टर वॉन डेर वोगेलवीड, XII-XIII सदियों), साथ ही शहरी कारीगर भी। सामंती महलों और शहरों में, सभी प्रकार के गीतों, शैलियों और गीतों के रूपों की खेती की जाती है (महाकाव्य, "भोर", रोंडो, ले, विरेले, गाथागीत, कैनज़ोन, लौडास, आदि)।

सख्त परंपरा और विहितता हर चीज में राज करती है। परंपराओं और मानकों के समेकन, संरक्षण और प्रसार (बल्कि उनके क्रमिक नवीनीकरण) को न्यूट्रल से संक्रमण द्वारा सुगम बनाया गया था, जो केवल मधुर आंदोलन की प्रकृति का संकेत देता था। रैखिक अंकन(गुइडो डी'अरेज़ो, 11वीं शताब्दी), जिससे स्वरों की पिच और फिर उनकी अवधि को सटीक रूप से रिकॉर्ड करना संभव हो गया।

धीरे-धीरे, यद्यपि धीरे-धीरे, संगीत की सामग्री, इसकी शैलियाँ, रूप और अभिव्यक्ति के साधन समृद्ध होते जा रहे हैं। में पश्चिमी यूरोपछठी-सातवीं शताब्दी से। एक स्वर (मोनोडिक) चर्च संगीत (ग्रेगोरियन मंत्र) की एक कड़ाई से विनियमित प्रणाली उभर रही थी, जिसमें पाठ (भजन) और गायन (भजन) का संयोजन था। पहली और दूसरी सहस्राब्दी के मोड़ पर, पॉलीफोनी उभरने लगी। नई वोकल (कोरल) और वोकल-इंस्ट्रूमेंटल (गाना बजानेवालों और अंग) शैलियों का गठन किया जा रहा है: ऑर्गनम, मोटेट, कंडक्शन, फिर मास। फ्रांस में, 12वीं शताब्दी में, पहला संगीतकार (रचनात्मक) स्कूल नोट्रे डेम कैथेड्रल (लियोनिन, पेरोटिन) में बनाया गया था। पेशेवर संगीत में पुनर्जागरण (फ्रांस और इटली में आर्स नोवा शैली, XIV सदी) के मोड़ पर, मोनोफोनी को पॉलीफोनी द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है, संगीत धीरे-धीरे खुद को विशुद्ध रूप से व्यावहारिक कार्यों (चर्च संस्कारों की सेवा) से मुक्त करना शुरू कर देता है, धर्मनिरपेक्ष शैलियों का महत्व , गाने सहित, इसमें वृद्धि होती है (गिलाउम डी माशो)।

पुनर्जागरण का संगीत.पुनर्जागरण यूरोपीय संस्कृति के इतिहास में एक युग है, जो प्रमुख आर्थिक और सामाजिक-राजनीतिक परिवर्तनों, धर्मनिरपेक्ष मानवतावादी विचारों के उत्कर्ष, महान वैज्ञानिक और भौगोलिक खोजों और प्राचीन सांस्कृतिक विरासत के पुनरुद्धार की विशेषता है। इटली में - 14-16 शताब्दी, पश्चिमी और मध्य यूरोप के अन्य देशों में - मध्य। 15-16 शतक ऐतिहासिक सीमाओं पर अलग-अलग दृष्टिकोण हैं संगीतमय पुनर्जागरण. सबसे स्थापित विचार पहली मंजिल है। 15th शताब्दी संगीत में पुनर्जागरण की वास्तविक शुरुआत और दूसरे भाग के बारे में। 16 वीं शताब्दी इसके अंतिम चरण के रूप में (फिलिस्तीना, ओ. लासो, वेनिस स्कूल के संगीतकार, दिवंगत इतालवी मैड्रिगलिस्ट, पहले ओपेरा संगीतकार का काम)। मध्ययुगीन धर्मकेंद्रित संस्कृति से मानवकेंद्रित संस्कृति में संक्रमण के संबंध में, संगीत की कला में आवश्यक परिवर्तन हुए। कला के अन्य रूपों की तरह, दुनिया की विविधता को प्रतिबिंबित करने की प्रवृत्ति, जो संपूर्ण के सभी तत्वों के पूर्ण समन्वय, सद्भाव और आनुपातिकता की इच्छा के साथ संयुक्त थी, असामान्य रूप से बढ़ गई है। संगीत मुद्रण की शुरुआत, संगीत के अस्तित्व के लिए नई स्थितियाँ (लोकतांत्रिक जनता का उदय, शौकिया संगीत-निर्माण का उत्कर्ष) ने इस पर पुनर्विचार किया सामाजिक स्थिति. धर्मनिरपेक्ष शैलियों की भूमिका बढ़ गई (फ्रॉटोला, विलेनले, विलेनसीको, चांसन, लीड, मैड्रिगल, मैड्रिगल कॉमेडी, 16वीं शताब्दी के अंत में - ओपेरा, बैले), वाद्य संगीत स्वतंत्र हो गया (कोरल व्यवस्था, राइसकार्स, कैनज़ोन, कामचलाऊ टुकड़े - प्रस्तावनाएं, टोकाटास, कल्पनाएं) में नए सिरे से रुचि पैदा हुई है नृत्य कला(अनेक नृत्य शैलियों, नृत्य संगीत संग्रह, विशेष मैनुअल और पहले पेशेवर नृत्य गुरुओं का उद्भव)। पारंपरिक चर्च शैलियों - मास और मोटेट - की स्वर-शैली की सामग्री भी बदल गई है।

बारोक संगीत.बारोक (इतालवी बारोको, शाब्दिक अर्थ - फैंसी, दिखावटी, अजीब; वहाँ हैं विभिन्न संस्करणइस शब्द की उत्पत्ति: 1) पुर्तगाली से। पेरोला बरोका - मोती अनियमित आकार; 2)अक्षांश से। बारोको - शैक्षिक तर्कशास्त्र में सिलोगिज़्म के प्रकारों में से एक का पदनाम; 3) इटालियन की ओर से. कलाकार एफ. बारोकी, एफ. बारोकी, (15287-1612) - कला शैली 16वीं-पहली छमाही के उत्तरार्ध की यूरोपीय कला और साहित्य में। 18वीं शताब्दी 16वीं शताब्दी के अंत में। आशावादी पुनर्जागरण के मानवतावाद का स्थान एक दुखद विश्वदृष्टिकोण ने ले लिया है जो लोगों के मन में आर्थिक, राजनीतिक और के बढ़े हुए अंतर्विरोधों के प्रतिबिंब से जुड़ा है। सार्वजनिक जीवन, जिसका नेतृत्व 17वीं शताब्दी में हुआ। बुर्जुआ क्रांतियों की शुरुआत तक। बारोक शैली के उद्भव के साथ, संगीत ने पहली बार मानवीय भावनात्मक अनुभवों की दुनिया के गहन और बहुमुखी अवतार के लिए अपनी क्षमताओं का पूरी तरह से प्रदर्शन किया। संगीत और नाट्य शैलियाँ (मुख्य रूप से ओपेरा) एक अग्रणी स्थान पर चली गईं, जो कि विभिन्न प्रकार की कलाओं की नाटकीय अभिव्यक्ति और संश्लेषण के लिए विशिष्ट बारोक इच्छा से निर्धारित होती थी, जो धार्मिक संगीत (पवित्र वक्ता, कैंटाटा, निष्क्रिय) के क्षेत्र में भी प्रकट हुई थी। ). उसी समय, संगीत को शब्दों से अलग करने की प्रवृत्ति सामने आई - कई वाद्य शैलियों के गहन विकास की ओर, जो बड़े पैमाने पर बारोक सौंदर्यशास्त्र से जुड़ी थीं। बैरोक शैली इटली में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुई। प्रारंभ में। 18 वीं सदी जर्मनी में, जिसका ऐतिहासिक भाग्य विशेष रूप से युग के दुखद विरोधाभासों से प्रभावित था, दो महान संगीतकार उभरे - जे.एस. बाख और जी.एफ. हैंडेल, जिनका काम बारोक शैली से निकटता से जुड़ा था। हालाँकि, अतीत की उपलब्धियों को सारांशित और गहरा करते हुए और यूरोपीय संगीत के भविष्य की भविष्यवाणी करते हुए, यह किसी एक शैली के ढांचे में फिट नहीं बैठता है।

रोकोको(फ्रेंच रोकोको, रोकेल से - सजावटी रूपांकन, शाब्दिक अर्थ - पत्थरों के टुकड़े, इमारतों की सजावट के लिए गोले) - पहली छमाही की यूरोपीय कला में शैली। 18वीं सदी, मुख्य रूप से फ्रांस में विकसित हुई। रोकोको सबसे स्पष्ट रूप से ललित कलाओं (एफ. बाउचर, ए. वट्टू) और महल के अंदरूनी हिस्सों के सजावटी डिजाइन (साज-सज्जा में दिखावटीपन और मनमौजी रेखाएं, परिष्कार, दीवार चित्रों में सजावटी डिजाइनों की प्रचुरता आदि) में स्पष्ट रूप से परिलक्षित होता था। संगीत में रोकोको ने खुद को फ्रांसीसी हार्पसीकोर्डिस्ट (एल.के. डाक्विन, फ्रेंकोइस कूपेरिन, जीन-फिलिप रमेउ, आदि) के काम में प्रकट किया। उनकी विशेषता अंतरंगता और लघु रूप, नाजुक, सुंदर, चुलबुली और चंचल छवियों का प्रभुत्व, उत्कृष्ट मेलिस्मैटिक्स की प्रचुरता आदि हैं।

क्लासिसिज़म(लैटिन क्लासिकस से - अनुकरणीय) - साहित्य और कला में शैली 17 - प्रारंभिक। 19वीं शताब्दी दार्शनिक तर्कवाद के विचारों के प्रभाव के साथ-साथ पुनर्जागरण के सौंदर्यशास्त्र के तहत प्राचीन कला पर नायाब ध्यान केंद्रित किया गया। कलात्मक नमूना. क्लासिकिज़्म के सौंदर्यशास्त्र की अग्रणी थीसिस यह विश्वास है कि दुनिया को नियंत्रित करने वाले एकल, सार्वभौमिक आदेश की पुष्टि में होने का सार गहराई से उचित और सामंजस्यपूर्ण है। इसके साथ शक्तिशाली मानव बुद्धि की रचनाओं में से एक के रूप में कला के लिए क्लासिकिस्टों की मांगें जुड़ी हुई हैं, जो तर्क, वैधता, आंतरिक सद्भाव, शैलियों के सख्त विनियमन, अभिव्यंजक साधनों के टाइपिंग और सामान्यीकरण के सिद्धांतों पर आधारित है। संगीत थिएटर में क्लासिकिज्म के संस्थापक जे.बी. लूली थे, जो गीतात्मक त्रासदी की ओपेरा शैली के निर्माता थे। लूली के ओपेरा की विशेषता प्राचीन और पौराणिक कथानक, उच्च वीरता, शैली का उत्साह, ओपेरा के निर्माण में - तार्किक स्पष्टता, सख्त नियमों का अनुपालन, मानकता, नाटकीय रूप से लचीले सस्वर पाठ और आर्केस्ट्रा विकास की ओर उन्मुखीकरण है। हालाँकि, केवल के.वी. ग्लक, जिन्होंने ओपेरा सुधार को अंजाम दिया, महान सादगी और उदात्तता से प्रतिष्ठित कार्यों को बनाने में कामयाब रहे।

क्लासिकिज्म के संगीत के विकास में शिखर, गुणात्मक रूप से नया चरण विनीज़ शास्त्रीय स्कूल (आई. हेडन, डब्ल्यू. ए. मोजार्ट और एल. बीथोवेन का काम) की कला है। विनीज़ क्लासिकिज़्मअपने समय के सबसे प्रगतिशील विचारों को आत्मसात किया, जो बड़े पैमाने पर साहित्य में जे. डब्ल्यू. गोएथे और एफ. शिलर के वीमर क्लासिकवाद की प्रतिध्वनि थी। विनीज़ क्लासिक्स का काम प्रमुख वाद्य शैलियों - सिम्फनी, सोनाटा, स्ट्रिंग चौकड़ी, सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र और सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के शानदार फूल से जुड़ा हुआ है। उन्होंने सिम्फनीज़्म बनाया - जीवन के विरोधाभासों को प्रभावी ढंग से प्रकट करने की एक विधि, जो जर्मन शास्त्रीय दर्शन के द्वंद्वात्मक विचारों के अनुरूप है। 18वीं-19वीं शताब्दी के मोड़ पर। फ्रांसीसी क्रांति के रचनाकारों के लेखन में शास्त्रीयतावाद ने नए रूप धारण किए। इन आदर्शों को बीथोवेन के कार्यों में अपनी चरम अभिव्यक्ति मिली, जिनके बाद के कार्यों को, हालांकि, पहले से ही रूमानियत की विशेषताओं द्वारा चिह्नित किया गया था। अन्य कलात्मक आंदोलनों के तत्वों के साथ संयोजन में, क्लासिकवाद की विशेषताएं रूसी संगीत संस्कृति (एम.एस. बेरेज़ोव्स्की, डी.एस. बोर्तन्यांस्की, वी.ए. पश्केविच, ई.आई. फ़ोमिन, आई.ई. खांडोश्किन) में अपवर्तित हो गईं।

प्राकृतवाद(फ्रेंच रोमान्टिज्म) - एक वैचारिक, सौंदर्यवादी और कलात्मक दिशा जो 18वीं और 19वीं शताब्दी के मोड़ पर यूरोपीय कला में विकसित हुई। स्वच्छंदतावाद का उद्भव, जो प्रबुद्धता-क्लासिकवादी विचारधारा के खिलाफ संघर्ष में बना था, महान फ्रांसीसी क्रांति के राजनीतिक परिणामों में कलाकारों की गहरी निराशा के कारण हुआ था। तीखा टकराव रोमांटिक पद्धति की विशेषता है आलंकारिक प्रतिपक्षी(वास्तविक - आदर्श, विदूषक - उदात्त, हास्य - दुखद, आदि) परोक्ष रूप से बुर्जुआ वास्तविकता की तीव्र अस्वीकृति, उसमें प्रचलित व्यावहारिकता और तर्कवाद के खिलाफ विरोध व्यक्त किया गया। सुंदर, अप्राप्य आदर्शों की दुनिया और परोपकारिता की भावना से व्याप्त रोजमर्रा की जिंदगी के बीच विरोधाभास ने रोमांटिक लोगों के काम में एक ओर, नाटकीय संघर्ष, अकेलेपन, भटकने आदि के दुखद उद्देश्यों के प्रभुत्व को जन्म दिया। दूसरी ओर, सुदूर अतीत का आदर्शीकरण और काव्यीकरण, लोक जीवन, प्रकृति। रूमानियतवाद में क्लासिकिज्म की तुलना में। जिस बात पर जोर दिया गया वह एकीकृत, विशिष्ट, सामान्यीकृत सिद्धांत नहीं था, बल्कि उज्ज्वल व्यक्तिगत, मौलिक सिद्धांत था। यह असाधारण नायक में रुचि की व्याख्या करता है, जो अपने परिवेश से ऊपर है और समाज द्वारा अस्वीकार कर दिया गया है। रूमानियत के युग में, संगीत ने कला प्रणाली में अग्रणी स्थान ले लिया, क्योंकि यह किसी व्यक्ति के भावनात्मक जीवन को प्रतिबिंबित करने में रूमानियत की आकांक्षाओं के सबसे करीब था। स्वच्छंदतावाद के संगीत का प्रारंभिक चरण एफ. एफ. मेंडेलसोहन, जी. बर्लियोज़, वी. बेलिनी, एफ. लिस्ज़त, आर. वैगनर, जी. वर्डी। रूमानियतवाद का अंतिम चरण अंत तक फैला हुआ है। 19 वीं सदी (आई. ब्राह्म्स, बाद में रचनात्मकताएफ. लिस्ज़त और आर. वैगनर, प्रारंभिक ऑप। जी. महलर, आर. स्ट्रॉस, आदि)। रचना के कुछ राष्ट्रीय विद्यालयों में, रूमानियतवाद का उत्कर्ष 19वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे में हुआ। और शुरुआत 20 वीं सदी (ई. ग्रिग, जे. सिबेलियस, आई. अल्बेनिज़, आदि)। रूसी संगीत, मुख्य रूप से यथार्थवाद के सौंदर्यशास्त्र पर आधारित, कई घटनाओं में स्वच्छंदतावाद के निकट संपर्क में था - पी. आई. त्चैकोव्स्की, एस. वी. राचमानिनोव का काम।

रोमांटिक संगीत के सौंदर्यशास्त्र में सबसे महत्वपूर्ण बिंदु कला के संश्लेषण का विचार था, जिसे वैगनर के ओपेरा काम में इसकी सबसे ज्वलंत अभिव्यक्ति मिली। कार्यक्रम संगीत(लिस्ज़्ट, शुमान, बर्लियोज़), जो विभिन्न प्रकार के कार्यक्रम स्रोतों (साहित्य, चित्रकला, मूर्तिकला, आदि) द्वारा प्रतिष्ठित था। कल्पना के क्षेत्र की व्याख्या रोमांटिक लोगों द्वारा विभिन्न तरीकों से की जाती है - सुरुचिपूर्ण शेरज़ो से, लोक शानदारता ("ड्रीम इन") गर्मी की रात"मेंडेलसोहन, वेबर द्वारा "फ्री शूटर") से विचित्र (बर्लिओज़ द्वारा "फैंटास्टिक सिम्फनी", लिस्ज़्ट द्वारा "फॉस्ट सिम्फनी"), कलाकार की परिष्कृत कल्पना से उत्पन्न काल्पनिक दृष्टि (शुमान द्वारा "फैंटास्टिक पीसेस")। में रुचि लोक कला, विशेष रूप से इसके राष्ट्रीय स्तर पर विशिष्ट रूपों ने, रोमांटिकतावाद के अनुरूप नए रचना स्कूलों के उद्भव को महत्वपूर्ण रूप से प्रेरित किया - पोलिश, चेक, हंगेरियन, बाद में नॉर्वेजियन, स्पेनिश, फिनिश, आदि। हर दिन, लोक-शैली के एपिसोड, स्थानीय और राष्ट्रीय रंग सभी में व्याप्त हैं रूमानियत के युग की संगीत कला। एक नए तरीके से, अभूतपूर्व संक्षिप्तता, सुरम्यता और आध्यात्मिकता के साथ, रूमानियत प्रकृति की छवियों को फिर से बनाती है . शैली और गीत-महाकाव्य सिम्फनी का विकास इस आलंकारिक क्षेत्र के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है (पहले कार्यों में से एक सी प्रमुख में शुबर्ट की "महान" सिम्फनी है)। नए विषयों और छवियों के लिए रोमांटिक लोगों को नए साधन विकसित करने की आवश्यकता थी संगीतमय भाषाऔर रूप-निर्माण के सिद्धांत, माधुर्य का वैयक्तिकरण और भाषण स्वरों का परिचय, संगीत के समय और हार्मोनिक पैलेट का विस्तार (प्राकृतिक मोड, प्रमुख और मामूली की रंगीन तुलना, आदि)। आलंकारिक चरित्र, चित्रांकन और मनोवैज्ञानिक विवरण पर ध्यान देने से रोमांटिक लोगों के बीच गायन और पियानो लघुचित्रों की शैली का विकास हुआ (गीत और रोमांस, संगीत क्षण, अचानक, शब्दों के बिना गीत, रात्रिचर, आदि)। जीवन के छापों की अंतहीन परिवर्तनशीलता और विरोधाभास शुबर्ट, शुमान, लिस्ज़्ट, ब्राह्म्स आदि के स्वर और पियानो चक्रों में सन्निहित है। मनोवैज्ञानिक और गीतात्मक-नाटकीय व्याख्या रोमांटिकतावाद और बड़ी शैलियों के युग में अंतर्निहित है - सिम्फनी, सोनाटा, चौकड़ी, ओपेरा. स्वतंत्र आत्म-अभिव्यक्ति, छवियों के क्रमिक परिवर्तन और अंत-से-अंत नाटकीय विकास की इच्छा ने गाथागीत, फंतासी, रैप्सोडी जैसी शैलियों में रोमांटिक कार्यों की विशेषता वाले मुक्त और मिश्रित रूपों को जन्म दिया। सिम्फनी कविताऔर अन्य। रूमानियत का संगीत, 19वीं सदी की कला में अग्रणी दिशा होने के नाते, अपने बाद के चरण में संगीत कला में नई दिशाओं और प्रवृत्तियों को जन्म दिया - सत्यवाद, प्रभाववाद, अभिव्यक्तिवाद। 20वीं सदी की संगीत कला। कई मायनों में यह रूमानियतवाद के विचारों के खंडन के संकेत के तहत विकसित होता है, लेकिन इसकी परंपराएँ नव-रोमांटिकवाद के ढांचे के भीतर रहती हैं।

यथार्थवाद(लेट लैटिन रियलिस से - वास्तविक, वास्तविक) - रचनात्मक विधिकला में, निहित विशिष्ट साधनों का उपयोग करके वास्तविकता का सच्चा और बहुआयामी प्रतिबिंब प्रस्तुत करना एक निश्चित प्रकारकला। पूर्ण खुलासा विशिष्ट लक्षणअतीत में यथार्थवाद 19वीं सदी की कला में देखा जाता है। कुछ सिद्धांतकार संगीत में यथार्थवाद के बारे में बात करना संभव नहीं मानते हैं, क्योंकि संगीत कला के लिए जीवन के रूपों में जीवन का प्रतिबिंब विशिष्ट नहीं है। हालाँकि, उस क्षण से जब "यथार्थवाद" शब्द सौंदर्यशास्त्र और आलोचना (1860 के दशक) में प्रवेश किया, इसका उपयोग संगीत के संबंध में भी किया गया (पहली बार वी.वी. स्टासोव द्वारा)। संगीत में यथार्थवाद की सबसे व्यापक और सबसे मौलिक अवधारणा बी.वी. असफीव द्वारा दी गई थी, जो उन विशिष्ट सामाजिक स्थितियों के अर्थ को स्वर में "अवशोषित" करने के ऐतिहासिक कानून के बारे में निष्कर्ष पर पहुंचे, जिसमें संगीत बनाया जाता है, मौजूद होता है और माना जाता है। यह अर्थ, कुछ अच्छे रिश्तों को सौंपा जा रहा है, उनकी भावनात्मक और मनोवैज्ञानिक सामग्री बन जाता है। इस प्रकार, "युग का एक स्वर कोष" बनता है, जो किसी दिए गए समय और संस्कृति की मानसिक स्थिति और मनोवैज्ञानिक दृष्टिकोण को दर्शाता है। यूरोपीय पेशेवर संगीत में, विभिन्न कलात्मक दिशाओं में यथार्थवादी विशेषताएं दिखाई दीं। 17वीं सदी से. सी. मोंटेवेर्डी और जी. शुट्ज़ की विरासत में यथार्थवादी टाइपिंग की प्रवृत्ति को उनके कार्यों के भाषण स्वरों में कार्यान्वयन मिला। पहले भाग में. 18 वीं सदी जे.एस. बाख के संगीत में सामान्यीकरण की विशाल शक्ति ने लोक और कोरल धुनों पर अन्तर्राष्ट्रीय सोच के समर्थन से जुड़ी यथार्थवादी प्रवृत्ति को मूर्त रूप दिया, जो नैतिक और वैचारिक-भावनात्मक लोगों के साथ निकटता से जुड़ी हुई है। उस युग के व्यक्ति का दृष्टिकोण. 18वीं सदी में प्रबुद्धता विचारधारा के अनुरूप, यथार्थवाद का सिद्धांत बनाया गया था (जे. जे. रूसो, डी. डाइडेरोट, ए. ई. एम. ग्रेट्री)। इन सैद्धांतिक विचारों का एक व्यावहारिक समानांतर कॉमिक ओपेरा था। विनीज़ शास्त्रीय विद्यालय के संगीतकारों के काम में एक मजबूत यथार्थवादी प्रवृत्ति मौजूद है, जिन्होंने मनुष्य की मनोवैज्ञानिक संरचना के उच्च सामान्यीकरण के उदाहरण दिए, मानवतावादी मूल्यऔर आदर्श. सबसे महान रोमांटिक संगीतकारों में, रोमांटिक सौंदर्यशास्त्र के तत्व यथार्थवादी लोगों के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़े हुए थे। मनुष्य की आंतरिक दुनिया की ओर मुड़ते हुए, रोमांटिक लोगों ने इसकी गतिशीलता, संघर्ष और अखंडता में भावनात्मक जीवन का एक सच्चा स्वरूप प्राप्त किया। इस प्रकार यथार्थवाद के संगीत का मूल सिद्धांत बना: किसी व्यक्ति की भावनात्मक और मनोवैज्ञानिक स्थिति के माध्यम से वास्तविकता की समझ, और आंतरिक मनोवैज्ञानिक जीवन - बाहरी इतिहास के नाटक के माध्यम से, जिसके साथ मानव व्यक्तित्व अटूट रूप से जुड़ा हुआ है। पी. आई. त्चिकोवस्की के संगीत का विद्रोही जुनून, संघर्षों के गहन नाटकों की अभिव्यक्ति की ताकत और तीक्ष्णता को मानवीय भावनात्मकता की आंतरिक संरचना के सामान्यीकरण और एक टाइपिंग दोनों के रूप में पहचाना जाता है। सामाजिक संघर्ष, और, अंततः, व्यक्ति और बाहरी दुनिया के बीच विरोधाभासी संबंधों की अभिव्यक्ति के रूप में। रूसी संगीत में यथार्थवादी स्कूल के संस्थापक एम. आई. ग्लिंका हैं, जिनकी परंपराएं 19वीं सदी के सबसे बड़े रूसी संगीतकारों के कार्यों में विकसित हुई थीं। 20वीं सदी वी. वी. स्टासोव की परिभाषा के अनुसार, "संगीत में यथार्थवाद के संस्थापक", ए. एस. डार्गोमीज़्स्की थे। स्टासोव ने एम. पी. मुसॉर्स्की के संगीत यथार्थवाद में उत्कृष्ट योगदान का भी उल्लेख किया। शास्त्रीय रूसी संगीत में, यथार्थवाद को ए.पी. बोरोडिन और एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव के महाकाव्य ओपेरा में, पी.आई. त्चैकोव्स्की के गीतात्मक और नाटकीय कार्यों में, एम.ए. बालाकिरेव, एस.आई. तानेयेव, ए.के. ग्लेज़ुनोव, एस.वी. राचमानिनोव के संगीत में एक उज्ज्वल, अद्वितीय अभिव्यक्ति मिली। , ए.एन. स्क्रीबिन और अन्य रूसी संगीतकारों ने यथार्थवादी दिशा को लोगों के रोजमर्रा के जीवन और इतिहास, जनता के आंदोलनों के साथ-साथ व्यक्ति की सामंजस्यपूर्ण आत्म-जागरूकता और उसके साथ जुड़ी छवियों की एक नई श्रृंखला के साथ समृद्ध किया। आंतरिक संघर्ष, व्यक्तित्व और सामाजिक परिस्थितियों के बीच टकराव के साथ जो इसके विकास और आत्म-पुष्टि में बाधा डालता है। रूसी स्कूल के यथार्थवाद के संगीत में महत्वपूर्ण तत्व कभी-कभी यथार्थवादी विचित्र (रिमस्की-कोर्साकोव द्वारा "द गोल्डन कॉकरेल", मुसॉर्स्की द्वारा "रेयोक", और बाद में - शोस्ताकोविच द्वारा "द नोज़") के रूप में प्रकट होता है। पश्चिमी यूरोपीय संगीतकारों के कार्यों में, दूसरा भाग। 19 वीं सदी यथार्थवादी प्रवृत्तियों का भी पता लगाया जा सकता है (आर. वैगनर, जे. बिज़ेट, जी. वर्डी, आई. ब्राह्म्स, ए. ब्रुकनर, आदि)। साथ में. 19 - शुरुआत 20वीं सदी संगीत यथार्थवाद प्रकृतिवाद और आधुनिकतावाद के सौंदर्यशास्त्र से प्रभावित था। अपनी मुख्य, परिभाषित विशेषताओं को बनाए रखते हुए, 20वीं सदी के संगीत में यथार्थवाद। नए, अधिक जटिल रूप धारण कर लेता है। विशिष्ट स्वरों की सीमा का विस्तार हो रहा है, एक ओर, लोक संस्कृतियों की गहरी स्वर परतों को अवशोषित किया जा रहा है (3. कोडाली, बी. बार्टोक, के. सिजमानोव्स्की, आई.एफ. स्ट्राविंस्की, एस.एस. प्रोकोफिव, डी.डी. शोस्ताकोविच, जी.वी. स्विरिडोव, ए.आई. खाचटुरियन, के. दूसरी ओर, कराएव, आर. ए. स्कोनबर्ग, ए. बर्ग, ए. वेबर्न जैसे संगीतकारों का संगीत, जिन्होंने ऐतिहासिक वास्तविकता के तीव्र संघर्ष की स्थितियों में आधुनिक मनुष्य की विरोधाभासी चेतना को गहराई से प्रतिबिंबित किया, जटिल है। मानकीकृत स्वर-शैली और शैली-नाटकीय मॉडल की विस्तारित श्रृंखला ने 20वीं सदी के यथार्थवादी संगीत की विविधता को पूर्व निर्धारित किया।

प्रभाववादसंगीत में (फ़्रेंच इंप्रेशननिज़्म, इंप्रेशन से - इंप्रेशन) - एक कलात्मक आंदोलन जो पिछली तिमाही में पश्चिमी यूरोप में विकसित हुआ। 19 - शुरुआत 20वीं शताब्दी, मुख्य रूप से क्लाउड डेब्यूसी के काम में। इसकी जड़ें फ़्रेंच भाषा में प्रभाववाद से समान हैं। चित्रकारी। संगीतमय प्रभाववाद को उसकी रंगीनता, क्षणभंगुर छापों को मूर्त रूप देने की इच्छा, प्रेरित परिदृश्यों ("प्रस्तावना") के कारण चित्रकला में प्रभाववाद के करीब लाया जाता है। दोपहर का विश्रामफॉन", "नोक्टर्नस", ऑर्केस्ट्रा के लिए "द सी", डेब्यूसी द्वारा पियानो के लिए "आइलैंड ऑफ जॉय", रवेल द्वारा "द प्ले ऑफ वॉटर", "रिफ्लेक्शन्स", आदि), रंगीन शैली के रेखाचित्रों और संगीत के निर्माण के लिए पोर्ट्रेट्स ("इंटरप्टेड सेरेनेड", "मिनस्ट्रेल्स", "द गर्ल विद फ्लैक्सन हेयर" डेब्यूसी द्वारा)। हालाँकि, संगीत के लिए "प्रभाववाद" शब्द का प्रयोग काफी हद तक मनमाना है, और चित्रात्मक और संगीतमय प्रभाववाद के बीच प्रत्यक्ष सादृश्य शायद ही संभव है। आसपास की दुनिया को संगीतमय प्रभाववाद में सूक्ष्म मनोवैज्ञानिक सजगता, उसके चिंतन से पैदा हुई सूक्ष्म संवेदनाओं के चश्मे के माध्यम से प्रकट किया जाता है। ये विशेषताएं प्रभाववाद को दूसरों के करीब लाती हैं कलात्मक आंदोलन- साहित्यिक प्रतीकवाद, पी. वेरलाइन, एस. मलार्मे, पी. लुइस, एम. मैटरलिंक के कार्यों के साथ, जिनके कार्यों का सी. डेब्यूसी और उनके अनुयायियों के संगीत में अनुवाद किया गया था। संगीत भाषा की नवीनता के बावजूद, प्रभाववाद अक्सर पिछले समय की कला की कुछ तकनीकों की विशेषता को फिर से बनाता है, विशेष रूप से 18 वीं शताब्दी के फ्रांसीसी हार्पसीकोर्डिस्टों के संगीत को। रंगीन सुरम्यता, कल्पना और विदेशीता (स्पेन और पूर्व के देशों में रुचि) के क्षेत्र में, प्रभाववादियों ने तीव्र नाटकीय टकराव और सामाजिक विषयों को त्यागते हुए, रोमांटिकतावाद की परंपराओं को जारी रखा। डेब्यूसी और एम. रवेल का संगीत एम. पी. मुसॉर्स्की के काम से काफी प्रभावित था (इसका वैचारिक पहलू नहीं, बल्कि संगीत भाषा की कई विशेषताएं)। प्रभाववादियों ने कला के ऐसे कार्यों का निर्माण किया जो परिष्कृत और स्पष्ट थे अभिव्यंजक साधन, भावनात्मक रूप से संयमित और शैली में सख्त। साथ ही, संगीत शैलियों की व्याख्या में काफी बदलाव आया है। सिम्फोनिक और पियानो संगीत के क्षेत्र में कार्यक्रम लघुचित्र और सुइट चक्र बनाए गए, जिनमें रंगीन और सुरम्य तत्व का प्रभुत्व था। हार्मोनिक और लय को समृद्ध किया गया है संगीतमय सोच. प्रभाववादी सद्भाव की विशेषता रंग में वृद्धि है, जिसमें फ़्रेंच का प्रभाव भी शामिल है संगीतमय लोकगीतऔर 19वीं सदी के यूरोपीय लोगों के लिए नया। संगीत सोच की प्रणालियाँ (रूसी संगीत का प्रभाव, ग्रेगोरियन मंत्र और पुनर्जागरण पॉलीफोनी, पूर्वी देशों का संगीत, संयुक्त राज्य अमेरिका में ब्लैक मिनस्ट्रेल थिएटर)। यह, विशेष रूप से, प्राकृतिक और एनेमिटोनिक मोड, मोडल हार्मोनी के तत्वों और तार समानताओं के उपयोग में प्रकट हुआ था। इंप्रेशनिस्ट इंस्ट्रूमेंटेशन की विशेषता विभेदित आर्केस्ट्रा ध्वनि, विस्तृत बनावट और शुद्ध लकड़ी का उपयोग है। फ्रांस के अलावा, जहां 19वीं-20वीं शताब्दी के मोड़ पर डेब्यूसी के अनुयायी एम. रवेल, पी. डुकास, एफ. श्मिट और अन्य थे। प्रभाववाद के तत्वों को रचना के अन्य स्कूलों में विकसित किया गया था, जो विशिष्ट रूप से उनके साथ जुड़े हुए थे राष्ट्रीय विशेषताएँ(स्पेन में एम. डी फाला, ओ. रेस्पिघी, इटली में आंशिक रूप से ए. कैसेला और एफ. मालीपिएरो, ग्रेट ब्रिटेन में एफ. डिलियस और एस. स्कॉट, पोलैंड में के. सिजमानोव्स्की, आई. एफ. स्ट्राविंस्की, एन. एन चेरेपिन का प्रारंभिक कार्य और रूस में अन्य)।

इक्सप्रेस्सियुनिज़म(लैटिन एक्सप्रेसियो से, लिंग अभिव्यक्ति - अभिव्यक्ति) - पहली तिमाही की यूरोपीय कला और साहित्य में एक दिशा। 20 वीं सदी अभिव्यक्तिवाद ने 1914-18 के प्रथम विश्व युद्ध की पूर्व संध्या पर, युद्ध के दौरान और यूरोपीय बुद्धिजीवियों के दुखद विश्वदृष्टिकोण को प्रतिबिंबित किया। युद्ध के बाद के वर्ष. अभिव्यक्तिवाद बेतुकेपन के खिलाफ विद्रोह का एक रूप बन गया है आधुनिक दुनिया, जिससे कलाकार को कोई सकारात्मक रास्ता नहीं दिख रहा था। इसलिए शास्त्रीय और रोमांटिक कला के आदर्शों के प्रति अभिव्यक्तिवादियों का तीव्र आलोचनात्मक रवैया, जो वास्तविक सामाजिक बुराई के सामने, सौम्य भ्रम के रूप में माना जाता था। अभिव्यक्तिवादी कला का ध्यान भय और निराशा से उत्पन्न आत्मा की दर्दनाक, तर्कहीन स्थितियों पर है। वास्तविकता के नकारात्मक पक्षों का निर्दयी प्रदर्शन, "अपमानित और अपमानित" के लिए करुणा के मानवतावादी विचार ने अभिव्यक्तिवाद (बर्ग के "वोज़ेक") की कला में एक तीव्र आरोप लगाने वाला प्रवाह ला दिया। अभिव्यक्तिवाद ऑस्ट्रिया और जर्मनी की कला और साहित्य में सबसे स्पष्ट रूप से दर्शाया गया है (कलाकार ओ. कोकोस्का, एम. बेकमैन, जे. ग्रोस, आदि; लेखक आई. बेचर, एल. फ्रैंक, नाटककार ई. टोलर, जी. कैसर, आदि) .). संगीत में, अभिव्यक्तिवाद की विशेषताओं को कुछ देर के रोमांटिक कार्यों (जी. महलर की अंतिम सिम्फनी, आर. स्ट्रॉस द्वारा ओपेरा "सैलोम" और "इलेक्ट्रा") में नोट किया गया था; अभिव्यक्तिवाद के संगीत को अर्नोल्ड स्कोनबर्ग (पियरोट लूनायर, ओपेरा वेटिंग, लकी हैंड, नाटक ऑप. 11, 16, 19), एल्बन बर्ग (सभी कार्य) और उनके अनुयायियों के कार्यों में पूर्ण और पूर्ण अभिव्यक्ति मिली। अभिव्यक्तिवादी संगीत रचनाओं की विशेषता आम तौर पर प्रमुख और लघु की अस्वीकृति, खंडित माधुर्य, सद्भाव की अत्यधिक असंगति, स्वर भाग- आधा गाना, आधा बोलना (स्प्रेचस्टिमे)। भावनात्मक प्रणाली का अत्यधिक तनाव मनोदशाओं के अत्यंत तीव्र विरोधाभासों में प्रकट होता है - सघन उदास, भ्रमपूर्ण से लेकर शिशु-प्रबुद्ध तक।

नियोक्लासिज्म(ग्रीक से - नया और क्लासिकवाद) - 20-30 के दशक के संगीत में एक दिशा। 20वीं सदी, जिसकी विशेषता संगीत सोच के सिद्धांतों और बारोक की विशिष्ट शैलियों की अपील है (कम अक्सर - प्रारंभिक क्लासिकवादऔर देर से पुनर्जागरण). किसी न किसी हद तक, नवशास्त्रवाद 20वीं शताब्दी के संगीतकारों के संगीत में परिलक्षित होता था, लेकिन इसकी सबसे पूर्ण अभिव्यक्ति आई. एफ. स्ट्राविंस्की और पी. हिंडेमिथ के कार्यों में प्राप्त हुई। इसके प्रतिनिधियों ने मुख्य रूप से राष्ट्रीय पुनरुद्धार की ओर रुख किया संगीत परंपराएँ: जर्मनी में - जे.एस. बाख की वाद्य विरासत के लिए: इटली में - ए. विवाल्डी, प्राचीन इतालवी ओपेरा, आदि द्वारा वाद्य संगीत कार्यक्रमों की परंपराओं के लिए; फ्रांस में - प्राचीन फ्रांसीसी सोनटास, जे.बी. लुली का ओपेरा, रूपक कोर्ट बैले, महान फ्रांसीसी क्रांति के युग के नाटकीय प्रदर्शन की परंपरा (बाद वाले मामले में, जी.एफ. हैंडेल के वक्तृत्व के साथ संपर्क के बिंदु पाए गए) , आदि। नियोक्लासिसिज्म में निहित स्वतंत्र प्रकृति, प्राचीन शैलियों और शैलियों का उपयोग दूसरी मंजिल के संगीत की आवश्यक विशेषताओं में से एक बन गया। विशेषकर 20वीं सदी सोवियत संगीत 60-80 के दशक

नव स्वच्छंदतावाद(ग्रीक से - नया और रूमानियत) - एक अवधारणा जिसका आमतौर पर अर्थ होता है देर से रूमानियत, मुख्य रूप से एफ. लिस्ज़त और आर. वैगनर की कृतियाँ। जे. ब्राह्म्स, ए. ब्रुकनर, एच. वुल्फ, जी. महलर, आर. स्ट्रॉस को कभी-कभी पारंपरिक रूप से नव-रोमांटिक के रूप में वर्गीकृत किया जाता है। . "नव-रोमांटिकवाद" शब्द उन संगीतकारों के काम पर भी लागू होता है जिन्होंने शुरुआती वर्षों में रोमांटिक संगीत की कुछ परंपराओं को जारी रखा। 20 वीं सदी। दूसरे भाग में. 20 वीं सदी कई संगीतकार जानबूझकर रूमानियत की शैली की ओर रुख करते हैं। 70-80 के दशक की शुरुआत में खुली अभिव्यक्ति की मांग और "नई सादगी" की वापसी की मांग के साथ, "दूसरे अवांट-गार्डे" की ज्यादतियों के खिलाफ विरोध के साथ जुड़ा हुआ है।

नियोफ़ोलोरिज़्म(ग्रीक से - नया और लोकगीत) - एक शब्द जो कभी-कभी 20वीं शताब्दी के पहले तीसरे के यूरोपीय संगीत पर लागू होता है, जिसमें लेखन के साधनों का नवीनीकरण मूल रूप से लोककथाओं पर निर्भरता से जुड़ा होता है। नवलोकगीतवाद के सबसे प्रमुख और सुसंगत प्रतिनिधि बी. बार्टोक और आई.एफ. हैं। स्ट्राविंस्की। नव-लोकगीतवाद के संगीत को लोककथाओं की कुछ विशेषताओं की एकाग्रता की विशेषता है, उदाहरण के लिए, प्राचीन रूसी गीत (स्ट्रैविंस्की द्वारा "द टेल") से आने वाली छंदात्मक अनियमितता, उन लोककथाओं की मोडल इंटोनेशन विशेषताओं का "मोटा होना"। वे लोग जिनकी संगीत संबंधी सोच पारंपरिक पैन-यूरोपीय ("15 हंगेरियन नृत्य", "2 रोमानियाई नृत्य", बार्टोक द्वारा पियानो सुइट ऑप. 14 के तीसरे आंदोलन में अरबी लोकगीत) से भिन्न है। गतिविधि और ऊर्जावान लय विशिष्ट हैं ("एलेग्रो बारबेरो" बार्टोक द्वारा, 1911; "द राइट ऑफ स्प्रिंग" स्ट्राविंस्की द्वारा, 1913)। इस दिशा के संगीत कार्यों में, लोक जीवन की बाहरी सुंदरता (मिलो के "प्रोवेन्सल सूट") को पुन: पेश करने के अलावा, उन्हें एक सामान्यीकृत अवतार मिलता है राष्ट्रीय चरित्र(डी फला द्वारा 7 स्पेनिश गाने), भाषा, सोच (स्ट्राविन्स्की द्वारा ले नोसेस, जनासेक द्वारा जेनुफा) और नैतिकता (कोडाली द्वारा हंगेरियन भजन)। लोककथाओं की प्राचीन परतों की अपील के संबंध में भाषा का संवर्धन रूसी संगीत की एक विशिष्ट घटना है। 60-80 के दशक के सोवियत संगीत में। लोककथाओं के स्रोतों के रचनात्मक अपवर्तन के ज्वलंत उदाहरण जी. वी. स्विरिडोव, वी. ए. गैवरिलिन और संघ गणराज्यों के संगीतकारों द्वारा बनाए गए थे। उनके कार्यों को आमतौर पर "नियोफोकलोरिज्म" शब्द से नामित नहीं किया जाता है, लेकिन संगीत आलोचना"नई लोकगीत लहर" नाम व्यापक हो गया।

परिचय

कला में एक आंदोलन के रूप में क्लासिकिज्म की विशेषताएं

संगीत में शास्त्रीयता की विशेषताएं

निष्कर्ष

ग्रन्थसूची

परिचय

क्लासिकिज़्म कला संगीत

काम की प्रासंगिकता कला में प्रमुख आंदोलन और क्लासिकवाद के युग के संगीत में रुझानों के बीच संबंधों पर विचार करने में निहित है।

कार्य का उद्देश्य शास्त्रीयता और संगीत में इसकी अभिव्यक्तियों का अध्ययन करना है।

लक्ष्य प्राप्त करने में कई कार्यों को हल करना शामिल है:

) कला में एक आंदोलन के रूप में क्लासिकिज्म को चित्रित करना;

) संगीत में शास्त्रीयता की विशेषताओं का अध्ययन करें।

विश्व व्यवस्था की नियमितता और तर्कसंगतता के बारे में विचारों के आधार पर, क्लासिकिज़्म के स्वामी स्पष्ट और सख्त रूपों, सामंजस्यपूर्ण पैटर्न, उच्च के अवतार के लिए प्रयासरत थे नैतिक आदर्श. वे प्राचीन कला के कार्यों को कलात्मक रचनात्मकता का उच्चतम, नायाब उदाहरण मानते थे, इसलिए उन्होंने प्राचीन विषयों और छवियों को विकसित किया।

1. कला में एक आंदोलन के रूप में क्लासिकिज्म की विशेषताएं

क्लासिसिज़म ――

क्लासिकिज्म तर्कवाद के विचारों पर आधारित है, जो डेसकार्टेस के दर्शन के साथ-साथ बने थे। क्लासिकिज़्म के दृष्टिकोण से, कला का एक काम, "सख्त सिद्धांतों के आधार पर बनाया जाना चाहिए, जिससे ब्रह्मांड के सामंजस्य और तर्क का पता चलता है।" क्लासिकिज्म की रुचि केवल शाश्वत, अपरिवर्तनीय है - प्रत्येक घटना में यह केवल आवश्यक, टाइपोलॉजिकल विशेषताओं को पहचानने का प्रयास करता है, यादृच्छिक व्यक्तिगत विशेषताओं को त्याग देता है। क्लासिकिज्म का सौंदर्यशास्त्र कला के सामाजिक और शैक्षिक कार्यों को बहुत महत्व देता है। क्लासिकिज़्म प्राचीन कला (अरस्तू, होरेस) से कई नियम और सिद्धांत लेता है।

क्लासिकिज़्म शैलियों का एक सख्त पदानुक्रम स्थापित करता है, जो उच्च (ओड, त्रासदी, महाकाव्य) और निम्न (कॉमेडी, व्यंग्य, कल्पित) में विभाजित हैं। प्रत्येक शैली में कड़ाई से परिभाषित विशेषताएँ होती हैं, जिनके मिश्रण की अनुमति नहीं है।

क्लासिकवाद फ्रांस में प्रकट हुआ। इस शैली के निर्माण एवं विकास में दो चरणों को प्रतिष्ठित किया जा सकता है। पहला चरण 17वीं शताब्दी का है। इस अवधि के क्लासिक्स के लिए, कलात्मक रचनात्मकता के नायाब उदाहरण प्राचीन कला के कार्य थे, जहां आदर्श क्रम, तर्कसंगतता और सद्भाव था। अपने कार्यों में उन्होंने सुंदरता और सच्चाई, स्पष्टता, सद्भाव, निर्माण की पूर्णता की तलाश की। दूसरा चरण ―XVIII सदी। इसने यूरोपीय संस्कृति के इतिहास में ज्ञानोदय के युग या तर्क के युग के रूप में प्रवेश किया। मनुष्य ज्ञान को बहुत महत्व देता था और दुनिया को समझाने की क्षमता में विश्वास करता था। मुख्य पात्र एक ऐसा व्यक्ति है जो अपने हितों को अधीन करते हुए वीरतापूर्ण कार्यों के लिए तैयार है ―सामान्य, भावनात्मक आवेग - तर्क की आवाज़। वह नैतिक दृढ़ता, साहस, सच्चाई और कर्तव्य के प्रति समर्पण से प्रतिष्ठित है। क्लासिकिज़्म का तर्कसंगत सौंदर्यशास्त्र सभी प्रकार की कलाओं में परिलक्षित होता था।

पेंटिंग में, कथानक का तार्किक विकास, एक स्पष्ट संतुलित रचना, मात्रा का स्पष्ट स्थानांतरण, काइरोस्कोरो की मदद से रंग की अधीनस्थ भूमिका और स्थानीय रंगों के उपयोग ने मुख्य महत्व हासिल कर लिया (एन. पॉसिन, सी. लोरेन) , जे. डेविड).

में काव्यात्मक कला"उच्च" (त्रासदी, स्तोत्र, महाकाव्य) और "निम्न" (हास्य, कल्पित, व्यंग्य) शैलियों में एक विभाजन था। प्रमुख प्रतिनिधियों फ़्रांसीसी साहित्यपी. कॉर्निले, एफ. रैसीन, जे.बी. अन्य देशों में क्लासिकवाद के गठन पर मोलिरे का बहुत प्रभाव था।

इस अवधि का एक महत्वपूर्ण बिंदु विभिन्न अकादमियों का निर्माण था: विज्ञान, चित्रकला, मूर्तिकला, वास्तुकला, शिलालेख, संगीत और नृत्य।

कलात्मक शैली क्लासिकिज़्म (लैटिन क्लासिकस से ― « अनुकरणीय") में उत्पन्न हुआ XVII सदियोंफ्रांस में। विश्व व्यवस्था की नियमितता और तर्कसंगतता के बारे में विचारों के आधार पर, इस शैली के स्वामी "स्पष्ट और सख्त रूपों, सामंजस्यपूर्ण पैटर्न और उच्च नैतिक आदर्शों के अवतार के लिए प्रयासरत थे।" वे प्राचीन कला के कार्यों को कलात्मक रचनात्मकता का उच्चतम, नायाब उदाहरण मानते थे, इसलिए उन्होंने प्राचीन विषयों और छवियों को विकसित किया। क्लासिकिज्म ने बड़े पैमाने पर अपने जुनून, परिवर्तनशीलता और असंगतता के साथ बैरोक का विरोध किया, इसके सिद्धांतों पर जोर दिया अलग - अलग प्रकारकला, संगीत सहित. 18वीं सदी के ओपेरा में। क्लासिकिज़्म का प्रतिनिधित्व क्रिस्टोफ़ विलीबाल्ड ग्लक के कार्यों द्वारा किया जाता है, जिन्होंने रचना की नई व्याख्याइस प्रकार की संगीत और नाटकीय कला। संगीत शास्त्रीयता के विकास में शिखर जोसेफ हेडन का काम था,

वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट और लुडविग वान बीथोवेन, जिन्होंने मुख्य रूप से वियना में काम किया और 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की संगीत संस्कृति में एक दिशा बनाई। ― 19वीं सदी की शुरुआत ―विनीज़ शास्त्रीय पैमाना। संगीत में शास्त्रीयता कई मायनों में साहित्य, रंगमंच या चित्रकला में शास्त्रीयता के विपरीत है। संगीत में प्राचीन परंपराओं पर भरोसा करना असंभव है ―वे लगभग अज्ञात हैं. इसके अलावा, संगीत रचनाओं की सामग्री अक्सर मानवीय भावनाओं की दुनिया से जुड़ी होती है, जो मन के सख्त नियंत्रण के अधीन नहीं होती हैं। हालाँकि, विनीज़ स्कूल के संगीतकारों ने किसी कार्य के निर्माण के लिए नियमों की एक बहुत ही सामंजस्यपूर्ण और तार्किक प्रणाली बनाई। ऐसी प्रणाली के लिए धन्यवाद, सबसे जटिल भावनाओं को स्पष्ट और परिपूर्ण रूप दिया गया। संगीतकार के लिए दुख और खुशी अनुभव के बजाय चिंतन का विषय बन गए। और यदि अन्य प्रकार की कलाओं में क्लासिकिज़्म के नियम पहले से ही 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में थे। कई लोगों को यह पुराना लग रहा था, फिर भी संगीत में विनीज़ स्कूल द्वारा विकसित शैलियों, रूपों और सद्भाव के नियमों की प्रणाली आज भी अपना महत्व बरकरार रखती है।

2. संगीत में शास्त्रीयता की विशेषताएं

संगीत में शास्त्रीयतावाद संबंधित कलाओं में शास्त्रीयतावाद से भिन्न था। संगीत रचनाओं की सामग्री मानवीय भावनाओं की दुनिया से जुड़ी है, जो मन के सख्त नियंत्रण के अधीन नहीं हैं। हालाँकि, इस युग के संगीतकारों ने किसी कार्य के निर्माण के लिए नियमों की एक बहुत ही सामंजस्यपूर्ण और तार्किक प्रणाली बनाई। क्लासिकवाद के युग में, ओपेरा, सिम्फनी और सोनाटा जैसी शैलियों का गठन किया गया और पूर्णता प्राप्त की गई।

―सादगी, सच्चाई, स्वाभाविकता. में संगीतमय नाटकवह अर्थ की तलाश में था, मिठास की नहीं। ओपेरा से, ग्लक सब कुछ अनावश्यक हटा देता है: सजावट, शानदार प्रभाव, कविता को अधिक अभिव्यंजक शक्ति देता है, और संगीत पूरी तरह से नायकों की आंतरिक दुनिया के प्रकटीकरण के अधीन है। ओपेरा ऑर्फ़ियस और यूरीडाइस पहला काम था जिसमें ग्लुक ने नए विचारों को लागू किया और ऑपरेटिव सुधार की नींव रखी। कठोरता, रूप की आनुपातिकता, दिखावटीपन के बिना महान सादगी, ग्लक के कार्यों में कलात्मक अनुपात की भावना प्राचीन मूर्तिकला के रूपों के सामंजस्य की याद दिलाती है। एरियस, सस्वर पाठ और कोरस एक बड़ी ऑपरेटिव रचना बनाते हैं।

संगीत शास्त्रीयता का उत्कर्ष 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में वियना में शुरू हुआ। उस समय ऑस्ट्रिया एक शक्तिशाली साम्राज्य था। देश की बहुराष्ट्रीयता ने इसकी कलात्मक संस्कृति को भी प्रभावित किया। क्लासिकिज्म की उच्चतम अभिव्यक्ति जोसेफ हेडन, वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट, लुडविग वान बीथोवेन का काम था, जिन्होंने वियना में काम किया और संगीत संस्कृति में एक दिशा बनाई। ―विनीज़ शास्त्रीय विद्यालय।

हेडन को "शास्त्रीय वाद्य संगीत का संस्थापक, आधुनिक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का संस्थापक और सिम्फनी का जनक" कहा गया है। उन्होंने शास्त्रीय सिम्फनी के नियमों की स्थापना की: उन्होंने इसे एक सामंजस्यपूर्ण, पूर्ण रूप दिया, उनकी व्यवस्था का क्रम निर्धारित किया, जो आज तक इसकी मुख्य विशेषताओं में संरक्षित है। शास्त्रीय सिम्फनी में चार अंकों का चक्र होता है। पहला भाग तेज़ गति से चलता है और अक्सर ऊर्जावान और उत्साहित लगता है। दूसरा हिस्सा ―धीमा। उनका संगीत व्यक्ति की गीतात्मक मनोदशा को व्यक्त करता है। तीसरा भाग ― एक प्रकार का नाच ―हेडन के युग के पसंदीदा नृत्यों में से एक। चौथा भाग ―अंतिम। यह पूरे चक्र का परिणाम है, पिछले भागों में जो कुछ भी दिखाया गया, सोचा गया, महसूस किया गया, उसका निष्कर्ष है। समापन का संगीत आमतौर पर ऊपर की ओर निर्देशित होता है; यह जीवन-पुष्टि करने वाला, गंभीर और विजयी होता है। शास्त्रीय सिम्फनी में एक आदर्श रूप पाया गया है जिसमें बहुत गहरी सामग्री हो सकती है।

हेडन के काम में, शास्त्रीय तीन-आंदोलन सोनाटा का प्रकार भी स्थापित किया गया है। संगीतकार की कृतियों में सुंदरता, व्यवस्था, सूक्ष्म और महान सादगी की विशेषता है। उनका संगीत बहुत उज्ज्वल, हल्का, ज्यादातर प्रमुख कुंजी में, उत्साह, अद्भुत सांसारिक आनंद और अटूट हास्य से भरा है।

मोजार्ट की सिम्फोनिक और चैम्बर शैली के निर्माण पर हेडन की कला का जबरदस्त प्रभाव पड़ा। सोनाटा-सिम्फोनिक संगीत के क्षेत्र में अपनी उपलब्धियों के आधार पर, मोजार्ट ने कई नई, दिलचस्प और मौलिक चीजें पेश कीं। कला का संपूर्ण इतिहास उनसे अधिक प्रभावशाली व्यक्तित्व को नहीं जानता। मोजार्ट की याददाश्त और सुनने की क्षमता अद्भुत थी, एक सुधारक के रूप में उनके पास शानदार कौशल था, वे वायलिन और ऑर्गन को खूबसूरती से बजाते थे, और कोई भी हार्पसीकोर्डिस्ट के रूप में उनकी प्रधानता को चुनौती नहीं दे सकता था। वह वियना में सबसे लोकप्रिय, सबसे अधिक पहचाने जाने वाले, सबसे प्रिय संगीतकार थे। विशाल कलात्मक मूल्यउनके ओपेरा हैं. अब दो शताब्दियों से, द मैरिज ऑफ फिगारो और डॉन जियोवानी ने अपनी आकर्षक सुंदर धुन, सादगी और शानदार सामंजस्य के साथ सफलता का आनंद लिया है। और "द मैजिक फ्लूट" संगीत के इतिहास में मोजार्ट के "हंस गीत" के रूप में नीचे चला गया, एक ऐसे काम के रूप में जो पूरी तरह से और स्पष्ट रूप से उनके विश्वदृष्टि, उनके पोषित विचारों को प्रकट करता है, उनके पूरे जीवन के उपसंहार के रूप में, एक प्रकार की भव्य कलात्मकता के रूप में वसीयतनामा “मोजार्ट की कला कौशल में परिपूर्ण और बिल्कुल प्राकृतिक है। उन्होंने ज्ञान, आनंद, प्रकाश और अच्छाई दी।"

बीथोवेन महानतम सिम्फनीवादक के रूप में प्रसिद्ध हुए। उनकी कला संघर्ष की करुणा से ओत-प्रोत है। इसने प्रबोधन के उन्नत विचारों को लागू किया, जिसने मानव व्यक्ति के अधिकारों और गरिमा को स्थापित किया। उनके पास नौ सिम्फनीज़, कई सिम्फोनिक ओवरचर्स (एग्मोंट, कोरिओलानस) और बत्तीस पियानो सोनाटा हैं, जिन्होंने इस युग का निर्माण किया। पियानो संगीत. बीथोवेन की छवियों की दुनिया विविध है। उनका नायक न केवल बहादुर और भावुक है, वह सूक्ष्म रूप से विकसित बुद्धि से संपन्न है। वह एक लड़ाकू और विचारक हैं।' बीथोवेन के संगीत में, जीवन अपनी संपूर्ण विविधता में है ―तूफानी जुनून और अलग दिवास्वप्न, नाटकीय करुणा और गीतात्मक स्वीकारोक्ति, प्रकृति की तस्वीरें और रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्य। क्लासिकिज़्म के युग को पूरा करते हुए, बीथोवेन ने एक साथ आने वाली सदी के लिए रास्ता खोल दिया।

क्लासिसिज़म ―ऐतिहासिक रूप से विशिष्ट युग की शैली। लेकिन सद्भाव और आनुपातिकता का उनका आदर्श आज भी आने वाली पीढ़ियों के लिए एक आदर्श बना हुआ है।

निष्कर्ष

क्लासिसिज़म ― कला में कलात्मक दिशा और साहित्य XVII ― 19वीं सदी की शुरुआत कई मायनों में उन्होंने अपने सिद्धांतों पर जोर देते हुए बारोक का उसके जुनून, परिवर्तनशीलता और असंगतता के साथ विरोध किया।

क्लासिकिज्म तर्कवाद के विचारों पर आधारित है, जो डेसकार्टेस के दर्शन के साथ-साथ बने थे। क्लासिकिज़्म के दृष्टिकोण से, कला का एक काम सख्त सिद्धांतों के आधार पर बनाया जाना चाहिए, जिससे ब्रह्मांड के सामंजस्य और तर्क का पता चलता है।

विश्व व्यवस्था की नियमितता और तर्कसंगतता के बारे में विचारों के आधार पर, इस शैली के स्वामी स्पष्ट और सख्त रूपों, सामंजस्यपूर्ण पैटर्न और उच्च नैतिक आदर्शों के अवतार के लिए प्रयासरत थे। वे प्राचीन कला के कार्यों को कलात्मक रचनात्मकता का उच्चतम, नायाब उदाहरण मानते थे, इसलिए उन्होंने प्राचीन विषयों और छवियों को विकसित किया।

संगीत में शास्त्रीयतावाद संबंधित कलाओं में शास्त्रीयतावाद से भिन्न था। संगीत रचनाओं की सामग्री मानवीय भावनाओं की दुनिया से जुड़ी है, जो मन के सख्त नियंत्रण के अधीन नहीं हैं। हालाँकि, इस युग के रचनाकारों ने किसी कृति के निर्माण के लिए नियमों की एक बहुत ही सामंजस्यपूर्ण और तार्किक प्रणाली बनाई। क्लासिकवाद के युग में, ओपेरा, सिम्फनी और सोनाटा जैसी शैलियों का गठन किया गया और पूर्णता प्राप्त की गई।

वास्तविक क्रांति क्रिस्टोफ़ ग्लुक का ऑपरेटिव सुधार था। उनका रचनात्मक कार्यक्रम तीन महान सिद्धांत थे ― सादगी, सच्चाई, स्वाभाविकता. संगीत नाटक में उन्होंने अर्थ खोजा, मिठास नहीं। ओपेरा से, ग्लक सब कुछ अनावश्यक हटा देता है: सजावट, शानदार प्रभाव, कविता को अधिक अभिव्यंजक शक्ति देता है, और संगीत पूरी तरह से नायकों की आंतरिक दुनिया के प्रकटीकरण के अधीन है।

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